lunes, 1 de febrero de 2016

OBRA CON DESTINO A ALEMANIA - DEUTSCHLAND - GERMANY - GERMANIA

HOY ES REALIDAD LO QUE AYER FUE SUEÑO

ICH MALE
(DIBUJO)

PSIQUE por María José Gordillo, 2015.
Acrílico sobre tela.
Frankfurt, Hesse, Alemania.
Bajo un cielo gris casi siempre encapotado se encuentra Frankfurt am Main. Podía imaginar las formas desdibujadas de los edificios, las luces derretidas de los semáforos y a sus habitantes en continuo movimiento. La perla del comercio en Alemania, brillante y etérea. La visualizo como un enorme lienzo en tonos grises con manchas de colores fuertes arañando la superficie. Entre las dos capas ¡justo ahí la puedo ver! 
Mi mapa del mundo repentinamente se había ampliado cuando supe que una de mis obras tenía como destino Frankfurt. "Psique" levita estática, con ojos cerrados ve todo aquello que se intuye. De mi caballete salió aquella obra que me mantuvo abstraída durante muchas horas. Si el alma tiene cuerdas ese día me sorteé muchas de ellas. Intentaba que ninguna sonara.


FRANKFURT, Hesse, Alemania.
Esta es la prueba de que verdaderamente el ARTE está vivo y reacciona con las personas.
En cualquier parte del mundo sin importar los tiempos. Constituye una señal más del compromiso de
IL CARMINIO.




"Al visitante ocasional los rascacielos de Frankfurt le deben parecer impresionantes. En cualquier caso, amplian la impresión que tiene el visitante de la ciudad. Si hace sol sus fachadas de cristal reflejan la luz e inundan las calles de luminosidad. Si hay un cielo nublado absorben la luz y proyectan sombra. En la noche tienen una iluminación bonita que hace que incluso edificios feos parezcan lindos.
De manera similar a los rascacielos, los habitantes son ambiguos. La mayoría trabajan para bancos y pasan todo el día dentro del edificio. Las pocas veces que salen hacia fuera están mirando sus móviles sin interrupción. Con eso y con sus trajes elegantes pretenden dar la impresión de importantes. Pero en realidad se esconden detrás de sus pantallas y de su ropa porque por culpa de todo el trabajo han olvidado como comunicarse entre ellos. Desde enero soy uno de estos habitantes deplorables también. Tengo miedo de transformarme irremediablemente en uno de ellos. Cuando vuelvo a casa después de días largos a veces mi humor está gris como el cielo sobre Frankfurt. Entonces veo a "Psique" en mi salón. Ella me trae a la memoria unos días fantásticos y felices en Sevilla. Me recuerda al sol, al vino de naranjas y a las calles llenas de gente. Lo más importante que me recuerda es que solamente si salgo a la calle y bajo mi guardia puedo encontrar a personas maravillosas."

Mark H.

Así lo ve, gracias de corazón.
Cuando mostré mis obras pude ver con claridad que sus pupilas se habían detenido en ella. Firmé la obra con las manos congeladas. Procedemos de cielos tan distintos y aún así se marchaba con ella. A través del Arte se conocen, de la manera más espontánea, a muchas personas. Y este encuentro ha hecho que después de vender esta obra, una puerta desconocida se abriera delante de mí. Merece la pena ver que hay al otro lado. ¡Vamos a probar, después de Milán!
Hoy es realidad lo que ayer fue sueño, y para recordarlo siempre tengo mi cuaderno de bocetos. Repaso las primeras ideas para diseñar este Blog, los primeros trabajos, las anotaciones, los borrones y los esbozos. 


Con el paso de las semanas supe que no solo había tenido una experiencia extraordinaria sino una oportunidad de crecer. Explorar y aprovechar esta posibilidad. Y desde luego compartirla con todos vosotros.

Hemos hecho exposiciones, estado en la Radio (Cadena Ser Morón), viajaremos el próximo marzo a Milán y más pronto que tarde, también en Alemania. Con trabajo y esfuerzo todo se consigue.

¡A todos Gracias!

IL CARMINIO



jueves, 28 de enero de 2016

AVANCE: ESPECIAL FEBRERO, LOS OTROS BESOS DEL ARTE.

Golpe entre personas que se produce al tropezar unas con otras; BESOS. De todo tipo que despiertan emociones distintas y reacciones dispares en el mundo artístico. Con la llegada del mes de febrero decidimos repasar algunas de las obras que versaron sobre " il bacio". En contra de lo que podemos estar pensando, el beso no siempre marca el final de la historia, sino el principio. Ejemplo de ello el famoso beso en la ópera Parsifal. Wagner nos narra la historia de un joven que visiona su misión para salvar el cáliz a través de uno, que sellará para siempre su futuro. Otros simbolizarían la traición para la eternidad, en efecto; el beso de Judas. El anhelo de un beso tiene raíces tan profundas en el ser humano que podemos encontrar muchas obras con esta temática. Hay tantos tipos de besos como personas y tantas obras como virtuosos del Arte. ¡experimentemos las diversas emociones que conjugan todos ellos desde cualquier lugar del mundo!

CELOS
EMOCIONES ADVERSAS

Alegoría con Venus y Cupido, por Bronzino (Agnolo di Cosino), 1550.
óleo sobre tabla, 146 - 116 cm.
National Gallery, Londres.
Venus diosa del amor que guarda y custodia los besos. Así era retratada la escena mitológica entre ella y su hijo Cupido. Éste acaricia el pecho de su madre mientras que ella se tuerce para besarlo. El Tiempo, esa figura barbuda del fondo, frunce el ceño e intenta cubrir la escena con un velo color azul. En la mayoría de romances célebres aparecen los celos que se alimentan del clima de inseguridad  y en ocasiones de la ingenuidad. Se encuentran representados por la anciana que se retuerce al fondo en la oscuridad. ¡Aún hay más! Encima de la anciana una figura enmascarada y desconcertante contempla la actitud del Tiempo. Mientras que en la parte inferior de la obra una niña que desafía el aspecto humano de las demás figuras sostiene un panal en una de sus manos mientras que en la otra agarra un aguijón. Claramente tenemos todos los ingredientes para construir una alegoría. Pero ¿Qué quieren decir todos estos elementos juntos? Nadie puede saber ciertamente qué sentido último tiene la composición. Quizás una invitación a extraer nuestras propias conclusiones. 


UNIÓN
IDEA ANCESTRAL

El beso por Constantin Brancusi, 1907.
Piedra,  0,28 m.
Museo de Arte, Craiova.

Brancusi reduce sus figuras a lo más básico, aportándoles energía y firmeza. ¿No es esto mismo lo que infunde un beso? La fuerza de la piedra se une al carácter elemental del acabado. Los cuerpos se funden en un abrazo, los labios se confunden en un tierno beso.  Incluso los ojos, sin poder determinar si abiertos o cerrados, forman uno. ¿Acaso estos amantes comparten la misma visión? Unión simple, unión libre, unión fuerte.

DESASOSIEGO
Y TAMBIÉN DESEO

Los Amantes por René Magritte, 1928.
óleo sobre lienzo.
Colección particular.

Los tonos fríos y la luz que degrada el color son clave para profundizar en la obra. Debemos ubicar a Magritte en el Surrealismo y estar preparados para escena. Y es que a veces desconocemos lo que amamos (o besamos), simplemente no podemos reprimir esa fuente de inagotable energía que es el deseo. Impulso natural y casi animal de los besos.

Pero en la literatura también tenemos ejemplos. Todos conocemos el célebre cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen. De esta obra original Antonín Leopold Dvořák hace una adaptación y la convierte en ópera. Rusalka, la protagonista, abandona un mundo en el que no se siente completa para ir al de los humanos. Allí sin voz tampoco logra conquistar el corazón del hombre que ama. Al final del último acto, antes de convertirse en espuma de mar se encuentran. Ella debe evitar con todas sus fuerzas arrastrarlo a ese mismo desenlace. No puede evitarlo y lo besa. De manera que ambos son condenados a permanecer trescientos años sin alma. Falta que deben suplir con buenas acciones. Es el precio de ese beso.
Esto es un adelanto, en el mes que está apunto de comenzar habrá más. Un tema que de manera generalizada conduce a nuestras mentes a imágenes de amor romántico, a veces tiene un campo de interpretación mucho más amplio. Y hemos de reconocer que es divertido entrar en una obra y salir de ella comprendiendo que sus figuras esconden secretos.

¡Habrá más sorpresas!


IL CARMINIO



lunes, 25 de enero de 2016

CONFERENCIAS SOBRE ARTE: JAPÓN, MÉXICO Y SEVILLA

Indianos portadores de tesoros 
made in Japan and Mexico.


Domingo por la mañana, mesa del fondo, tostadas con mantequilla y mermelada de fresa, café solo y cuaderno de notas... Cuando quise darme cuenta ya llegaba tarde a la Conferencia que versaba sobre el análisis de una obra perteneciente al Museo de Bellas Artes de Sevilla; La Guadalupe. Crucé la plaza iluminada por el sol de media mañana, sorteando a la gente que paseaba entre los artistas que exponen allí sus obras. Entré rápidamente tras recoger la entrada y subí las escaleras haciendo caso omiso al cartel "salida" abrí la puerta y pasé. La reunión tenía lugar en la misma sala donde se exponen las obras de Gonzalo Bilbao y Joaquín Sorolla. La gente estaba agolpada en ella, escuchando y a ratos murmurando. Lo que sería un comentario sobre un cuadro religioso acabó siendo un paseo maravilloso por Japón, Manilla y  México hasta llegar a Sevilla. 

Punto de partida

El papel fundamental del puerto sevillano


En Sevilla se conservan retratos de la Virgen de Guadalupe desde 1670, el total asciende a 200 obras similares que han podido ser inventariadas (labor indispensable para ubicar y conservar el patrimonio artístico). Por esas fechas ya se habían difundido los milagros de la Madonna. Como salvar a la población mejicana de morir asolada por una epidemia o proteger a los marineros en sus largas travesías en la mar. Por ello en los barcos y navíos se portaban retratos de la misma para salvaguardar sus vidas del arbitrio y capricho del Océano. ¿Y qué tienen de especial estas obras? Que son pura fusión. Se trata de una mezcla de los patrones europeos con iconografía mariana y los caracteres propios de las deidades en Sudamérica. A esto último habría que sumar  rasgos indígenas como tez morena y cabello negro, así como las ropas. Sin olvidar el paisaje y los motivos florales que contribuyen a que sean obras de una gran belleza exótica. Por todo ello muy pocas casas sevillanas no contaban en su mobiliario con una de ellas. 

Durante la Conferencia del Profesor D. Francisco Montes González, Profesor Ayudante, Doctor e investigador pos-doctoral del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada.
Organización; Amigos del Museo de Bellas Artes, Sevilla.
En un primer momento la producción corría a cargo de los maestros sudamericanos (indianos) y más tarde a los grandes de la Escuela Hispánico- mejicana de Pintura, que presentaban a una figura inserta en un ojo apocalíptico. Distinción fundamental con la tan venerada imagen de La Inmaculada. Pensemos en este punto en las ejecutadas por Murillo.

Zarpamos rumbo a Japón




Detalle extraído de la 

exposición del Museo
de Navarra. El Arte japonés
se caracteriza por su sencillez
y naturalidad, así como por
el uso de símbolos.
Enlace arriba en Narbán.
Lo más interesante de toda la presentación es la TÉCNICA, la cual nos llevará en primer lugar a Japón. A finales del siglo XVI y principios del XVII se empiezan a realizar una serie de piezas con la conocida técnica NANBÁN. Os adjuntamos la noticia de una exposición en el Museo de Navarra donde se exhibieron catorce piezas de ese período. La traducción del término es "Bárbaro del Sur" en clara alusión a los portugueses, españoles y holandeses que acudían hasta ese punto del planeta. <<Laca y madera donde se incrustaban trozos de nácar que por lo general se empleaban para ornamentar parte del ajuar doméstico>>. Por la rareza y lo inusual de estas piezas los residentes allí empiezan a realizar encargos. Per esempio  muchos retablos portátiles de pequeñas dimensiones destinados a decorar generalmente templos. Otras tantas serían enviadas a España con idéntico uso. ¿Pero cuáles son los nexos entre Japón y la Península Ibérica? 


Meses de travesía

Desde Japón, Acapulco (México), Manilla, Puerto de la Cruz en el Caribe...



Los maestros mejicanos tomaron contacto con estas obras que tenían por aquel entonces una amplia demanda. Entonces decidieron adoptar esa misma técnica adaptándola a sus formas de producción. A finales de siglo XVII surge un nuevo género artístico mixto en los talleres mejicanos. Hubo un taller que destacó por encima del resto, el de los hermanos Miguel y Juan González. 
El método era complejo, requiere de habilidad y destreza. Consiste en: un soporte de tablas unidas, cubierta por lienzo como base del dibujo. Posteriormente se preparan las zonas donde se embute la concha con resina animal, ya que no todo es concha. Finalmente se aplica policromía añadiendo para su culminación barniz y  polvo de oro.

Arte del Nuevo Mundo


La Virgen de Guadalupe por Miguel González, 1697.
Nácar, tabla y pintura al óleo.
Museo de las Américas, Madrid.
En total en todo el mundo existen 250 piezas de naturaleza enconchada. De las cuales 80 están en el Museo de Las Américas de Madrid
Estas obras son de un importantísimo valor artístico, histórico y social. Hablan de la interacción de tres culturas bien distintas entre sí. De la suma emergen composiciones únicas, ricas en matices y llenas de exotismo. Virreyes y monarcas regalaron a sus familiares suntuosas tablas embutidas "madre perla" que es el nombre que recibirían en España. Representaban escenas bíblicas pero también bélicas. Antonio Ponz (1782) en su "Viaje por España" destacaba en el Palacio del Duque del Infantado (Madrid) "un gabinete lleno de cuadros medianos embutidos en madre perla que narran las guerras con Flandes por Alejandro Farnes y las de México por Hernán Cortés."


Al final de la conferencia visité las restantes salas del Museo. Hasta llegar a la gran capilla ricamente adornada de este antiguo convento. Allí cual fue mi sorpresa ¡unos niños dibujaban en el suelo!
Elevando sus caras observaban las obras en el espacio, con sus ojos curiosos captaban el motivo de su dibujo y se centraban en terminar el trazo. Fue algo maravilloso y una oportunidad perfecta para poner de manifiesto que grandes y pequeños pueden disfrutar de estos espacios llenos de ARTE e HISTORIA.



IL CARMINIO




viernes, 22 de enero de 2016

RADIO, ENTREVISTA EN "HOY POR HOY", CADENA SER.

En el programa Hoy por Hoy de Radio Morón (Cadena Ser).

   Cómo un viaje en autobús puede cambiar por completo el panorama de acontecimientos. Así nos encontramos con José Carlos Valverde y hablamos durante todo el trayecto sin parar. Brotaron nombres de libros, proyectos y trabajos. Un día más tarde fijaríamos la fecha para esta nueva aventura; la radio. Y es que desde su descubrimiento y expansión, este medio de comunicación resulta indispensable para la difusión de información y cultura.  Por lo que era una increíble forma de proyectar todo por lo que trabajamos en este espacio. Repasamos la lista de acontecimientos que en tan solo un año han transcurrido. Como por ejemplo nuestro paso por el Hotel Doña María de Sevilla, la inserción en el panorama artístico de Mostrami y nuestra participación en los premios 20 Blogs del Periódico 20 Minutos. Y en esta onda de trabajo surgen nuevos planes y campos de exploración. ¿Por qué no ilustrar un libro poético? ¿y escribir un artículo para el Periódico ... ?

Durante la entrevista. A la izquierda
Jorge Cruces y a la izquierda
Jesús Sánchez. 
A cargo de la entrevista Jesús Sánchez  y José Carlos Valverde que hicieron de la misma una experiencia maravillosa. Realmente enriquecedora su conversación así como los temas que hablamos antes, durante y después de la entrevista. Para saber más sobre ellos solo tenéis que hacer un click en sus nombres y directamente podréis leer artículos y publicaciones de ambos. 
Para los que no pudieron escuchar el contenido de la misma os la dejamos aquí. Es un verdadero placer intervenir en un programa donde la cultura se postula como nota máxima. Hay mil y una razones para perderse en un libro, en un museo o una galería. Como en anteriores ocasiones hemos constatado que el ARTE bebe del ARTE y cuando sucede de una forma tan armónica, el resultado es enriquecedor. 
El compromiso es firme, aportar desde Il Carminio nuestro granito de arena a la cultura. El objetivo principal es despertar vuestra curiosidad. Os damos las notas esenciales para que vosotros mismos las conjuguéis. 


G A L E R I A 


Al final de la grabación con Jesús Sánchez a mi derecha y Jose Carlos Valverde a mi izquierda. De nuevo agradecerles a ambos la magnífica entrevista y felicitarles por la enriquecedora labor que llevan a cabo desde los micros.



Y aquí seguiremos paso a paso en nuestro viaje por el arte y las emociones que este produce. En las próximas entradas hablaremos de besos, aprovechando la llegada del mes de febrero. Así como una  especial donde compartiré con todos vosotros el increíble viaje de uno de mis cuadros a Frankfurt.


Un año y pocos meses después de nuestro nacimiento cerramos estadísticas con 4.256 visitas anuales y correos maravillosos de todos vosotros. ¡Gracias!



IL CARMINIO




lunes, 18 de enero de 2016

RETRATOS


STUDIO


Cuando recibes en el estudio un encargo y es un retrato siempre asaltan a la mente algunas de las obras maestras de la historia del Arte. Las primeras son a las que se les tiene un mayor apego, las más famosas y las otras ¡oh, mamma mia! un placer visual. Por ello esta entrada está dedicada a cada una de las que componen mi <haber> primero como persona y después como pintor.

Disfruta de esta selección de obras:

Leonardo di ser Piero da Vinci

Veamos, Empezamos con el hito de la pittura, el maestro Leonardo da Vinci. El pasado mes de agosto tuvimos el placer de asistir a una mostra de la Associazone Culturale Leonardo da Vinci, en Siracusa (Sicilia) que tenía por nombre "Arte & Progetti". Siempre es un placer visitar cualquier espacio donde se expongan sus tesoros pero hacerlo en el corazón blanco de la Sicilia ¡es otra dimensión!. En las grandes urbes de toda Italia podéis encontrar espacios así, que con especial mimo presentan orgullosos su genialidad. Hemos elegido a La Gioconda por ser la pieza que Leonardo llevó siempre consigo. Y desde luego por concentrar la mayor producción de obras escritas  e interpretativas de la Historia del Arte. Libros de todo tipo han alimentado el aura de misticismo que el cuadro contenía. Hasta que en el Museo del Prado se constata la aparición de una copia, coetánea a la italiana que por fin responde a tantas preguntas. Tres elementos más hacen de ella una obra maestra; su sonrisa enigmática,  tratarse de una de las escasas pinturas que se conservan de da Vinci y su técnica innovadora denominada "sfumato".


La primera es la obra original Retrato de Lisa Gherardini por Leonardo di ser Piero da Vinci, 1503-1506en óleo sobre tabla , 0,77 - 0,53 m. (Museo del  Louvre, París). La segunda  es una copia anónima  creada  el taller de Leonardo entre 1903-1919, que podéis encontrar en el Museo del Prado, Madrid.
***
El siguiente paso decisivo es elegir adecuadamente la forma del soporte, redondo, ovalado, cuadrado o rectangular. Y antes mis ojos aparece el exquisito retrato ovalado de Lady Robert Manners por 

Allan Ramsay.

Lady Roberts Manners por Allen Ramsay, 1756, 76,3-61,6 m.
Galería Nacional de Escocia, Edimburgo.
Precisamente podemos engarzarlo con el anterior apartado por la apariencia etérea que ambas poseen. De una forma ovalada emerge la imagen suave y delicada de la mujer. También de forma muy elegante se nos describe el carácter de esta dama de la alta nobleza. Como quien recita un soneto podemos captar su energía. Y es que el padre de Allan fue poeta y esta poesía retratada le concedería una posición de mucho prestigio como pintor de su época. Se formó en Edimburgo, trabajó a las órdenes de Jorge III en Londres y viajó a Italia como otros tantos de su tiempo. Quedaría maravillado por las obras italianas, quizás éstas hablaban su mismo idioma lírico. 

***

La petición que me hicieron fue la de utilizar colores inspirados en el impresionismo. El lenguaje del color que el ojo moderno ama, la fuerza de 

Vincent Van Gogh.


Autoretrato por Vincent Van Gogh, 1989.
Óleo sobre lienzo, 0,65-0,54 m.
Museo de Orsay, París.
Hemos hablado numerosas veces de Vincent Van Gogh y de sus obras. Pero en este caso hablaremos de su lenguaje visual. Por ejemplo aquí tenemos un auto-retrato contenido, casi inexpresivo que mantiene la mirada en un punto fijo casi en el espectador. Los colores son fríos y se manifiestan en antítesis; naranjas vs. azules. La textura del fondo revela turbulencias, movimiento, constricción.  Y es que, queridos, este retrato está fechado un año antes de su fallecimiento (1989) y fue pintado durante su ingreso voluntario en el Manicomio de Saint- Rémy. Contraste; quietud y movimiento para el final trágico de un genio. 

***

Pero antes que Vincent hubo un pintor de pintores que supo captar la feminidad como ningún otro. Había que añadir a la lista el carmín seductor de 

Gustav Klimt.

Judit I por Gustav Klimt, 1901.
Óleo sobre lienzo, 0,84-0,42 m.
Österreichische Galerie, Viena.
En la primera entrada de este espacio hacíamos una clara alusión a Klimt, Il Carminio, el carmín de los labios y pómulos de sus féminas. Por lo tanto en nuestro A.D.N. está sus dibujos y pinturas. Su riqueza es tan inmensa que podemos encontrar guiños a la obra de Diego de Velázquez, como ocurre con el Retrato de Fritza Riedler (1906). Judit I es una asociación de muerte y sexualidad, de Eros y Tanatos, que tratarían otros personajes ilustres en toda Europa como Freud. Y por último también puedes escuchar el cuadro si buscas la Klytemnestra de Richard Strauss. 

***

Lógicamente con todo en la cabeza no se puede pensar y menos dibujar. Pasados unos instantes, retomas el blog de dibujo, empiezas con un boceto y entonces; ella aparece. Es un proceso raro, donde no hay fronteras ni espacios. Encuentras lo que buscas si persistes en el trazado. En posteriores entradas mostraremos el aspecto final de la obra. 

Como siempre gracias a todos nuestros lectores por sus amables palabras. Este espacio es por y para todos vosotros.




IL CARMINIO



viernes, 15 de enero de 2016

CONFERENCIAS SOBRE ARTE

Sevilla y el Neoclasicismo

¡a su manera!

Vista del Salón Cuadrado por Alexandre Brun, hacía 1880.
Museo del Louvre, París, Francia.
Ejemplo perfecto de la importancia que las Academias concedían a la contemplación del Arte durante el periodo ilustrado. Esta obra seguramente hubiese sido la fotografía perfecta para reflejar el momento. Obras que se amontonan como apuntes antes de ser estudiadas, repasadas y examinadas. Winckelmann introduce el "método histórico" como disciplina científica en el mundo del Arte. Tiempos en los que el hombre descubre yacimientos de vital importancia, como Pompeya.

¿Cuántas veces caminamos por una misma calle? o ¿pasamos por una misma plaza al cabo del día?. Sin dudarlo; muchas. Vías de ida y vuelta que la rutina hace transparentes.
¿Y si pudiésemos recuperar la capacidad de asombro sobre ellas? Porque siempre hay algo sorprendente, divertido e incluso anecdótico en el lugar donde vives, que los hará distintos.  Sólo necesitas curiosidad y ganas de disfrutar. Para ello son idóneas las conferencias y ponencias, para conocer y profundizar en la génesis de la urbe. Disecciona la información y transformarla en algo vivido y curioso.

Ayer mismo en el Real Circulo de Labradores de Sevilla asistimos a un ejemplo. El ponente y orador era Francisco S. Ros González, profesor del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla. Bajo el título "Una aproximación al Arte Neoclásico en Sevilla", entramos en la sala y tomamos asiento. Abrimos el cuaderno de notas. Obviamente contaros la retahíla de acontecimientos históricos y detalles estilísticos no tiene sentido, basta con abrir un buen tomo relacionado con el tema. ¡Haremos algo mejor!

Los primeros en ocupar los asientos

Detalles de la Sala  (Abajo)

Lo primero que llama la atención es la monumental presencia del edificio, el cual no habíamos visitado nunca. Las Salas realmente recordaban a las diseñadas bajo el prisma del modernismo catalán; ¡invitando a pasar!. 
En seguida subimos las escaleras hasta llegar a la Sala en cuestión. Visualizamos la localización idónea y esperamos al resto de los asistentes. 

La segunda nota de relevancia era la edad avanzada del público. Un mar de cabellos blancos y alhajas. Todos se apresuraban a los primeros asientos, como cabía esperar.

Obra de Anton Raphael Mengs, 1754.
Pastel sobre papel.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, Estados Unidos.
Tras la presentación por parte del vocal, la luz se desmayó. 
Para conocer de forma autentica el carácter de una ciudad hay que mezclarse bien con todas sus partes. Y lejos de resultarme monótono su timbre de voz mientras leía sus notas atisbé con mucho agrado cierta ironía. Y lo explicamos a continuación. Quizás un título más exacto para la ponencia hubiese sido el "Genio sevillano vs. Neoclasicismo". En efecto en esta ciudad no podemos encontrar ni un solo edificio que respetara los cánones del nuevo estilo imperante. Que se encontraba auspiciado por la Real Academia de San Fernando y controlada por la Monarquía. Y sí, aparece la palabra -control- en el Arte, en todas y cada una de sus representaciones. Hasta el punto que se dictaron leyes de obligado cumplimiento para todo proyecto arquitectónico de índole publica e incluso religiosa. ¿Abandonar Sevilla su Barroco? Nunca. Un ejemplo claro es la Parroquia de San Indefonso. Los arquitectos y maestros de obra sevillanos debieron decir; ¡Neoclasicismo e imposiciones sí, pero a mi manera!. De la mezcla surgieron composiciones únicas. Pensemos que en Europa los hijos de las clases más adineradas viajaban en peregrinación hacia el Mediterráneo oriental, absorbiendo todo el conocimiento del arte clásico. Pues a diferencia del Renacimiento, los ojos de la nueva tendencia también estaban puestos en el arte griego. Winckelmann, el padre del método histórico, dijo que "no existía arte más sublime que el griego". Curiosa exclamación por su parte ya que lo único que pudo conocer directamente de esta época fueron las copias romanas existentes. 

En este tiempo Academias como la de Londres o París empiezan a formar a los artistas mediante la copia y la contemplación de obras directamente traídas desde Italia y Grecia. En efecto, la Ilustración acaba de instaurarse. 


Al sur, en la depresión del Guadalquivir se fundaba la Escuela de Nobles Artes de Sevilla. Dicha institución fijaba su atención en la obra de Murillo, pintor que en aquel entonces gozaba de mayor reconocimiento a nivel europeo. El ferviente coleccionismo de sus obras propició un mercado idóneo para dar salida y al mismo tiempo estimular la pintura inspirada en el artista. Imaginemos lo que suponía para un artista sevillano de la época deslindarse del Barroco, criticado por ostentoso en tiempos de austeridad. Por lo tanto encontraremos construcciones y composiciones de inspiración neoclásica y de ejecución barroca. Empleando maderas y dorados en vez de piedra. Y desde luego conservando los elementos ornamentales más representativos y originales del Barroco. No hablamos de una fase del Arte sino del gusto preponderante en la sociedad sevillana. 


Por todo ello, Sevilla tiene colores y matices especiales.

Real Circulo de Labradores de Sevilla.
Calle Pedro Caravaca, nº 1.
Evento organizado por Amigos del Museo de Bellas Artes.


IL CARMINIO




domingo, 10 de enero de 2016

FOTOGRAFÍA PARLANTE.

Una imagen dice más que mil palabras. Se podría decir que estamos rodeados de mensajes de todo tipo. Y quizás en esa obsesión por inmortalizar absolutamente cada uno de los movimientos perdemos la esencia de muchos de ellos. A ello sumemos la búsqueda de la perfección que asola perfiles y publicaciones. En esta selección fotografías queremos analizar el trasfondo que poseen y su impacto más directo en el espectador. Ha sido un medio muy efectivo para capturar la lucha por las libertades de la mujer, como crítica social y como espejo de la realidad. Antes de leer, observa estas imágenes ¿qué te sugieren?.

HISTORIA


Toma sin título, nº 3 por Cindy Sherman, 1977.Gelatina de plata sobre papel.
Museo de Arte Moderno, Nueva York. 


Casi todas las fotografías de esta serie fueron tomadas en el piso de la propia Cindy Sherman. Se mimetiza con el personaje, utilizando el disfraz para clarificar el mensaje. Con la ayuda de un espejo adquiere la posición optima. 

"Me convierto en una persona diferente. Me miro a un espejo que coloco al lado de la cámara... y es como entrar en trance. Trato de convertirme en el personaje que se ve a través del objetivo."
Cindy Sherman

En este ejemplo vemos a una mujer joven, enérgica. Podemos advertir firmeza en uno de sus brazos mientras con el otro rodea su cintura. Añade un toque de inquietud, de vulnerabilidad, una posición instintiva. Ese detalle es una pretendida crítica a la posición de la mujer en la sociedad de aquellos años. El entorno nos  retrotrae a los anuncios publicitarios de la época, invitando al consumismo que desde finales de la década de los sesenta se venía desarrollando.  

¿Qué vemos? El esfuerzo de una mujer que desde su lente exclama que "está consciente". Sin embargo en muchas de las imágenes que asaltan nuestras retinas el mensaje parece estar invertido. ¿Marcan el devenir de nuestro tiempo?
Busquemos fotógrafos más recientes... 

BELLEZA

Rayne-Lin, pequeña Miss América por Colby Katz, 2006.
Copia cromogénica, Colección de la fotógrafa.


Competición y decepción, dos conceptos que planean sobre esta imagen. Bajo una apariencia amable, dulcificada por la figura de la niña, se plantean cuestiones profundas. Los elementos son claramente simbólicos. Podríamos considerar que por muchas razones el ser humano está ligado al simbolismo. De tal manera que con la aparición de determinados ingredientes podemos visualizar el plato completo. Incluso sin ser conscientes de ello. Por ejemplo el sofá sugiere domesticidad. 


"Tengo una familia peculiar... nuestra educación nos hacer ser quien somos."
Colby Katz

Extrae al sujeto de un entorno caótico propio del mundo infantil de los juegos. En su lugar coloca a la pequeña cerca de un enorme trofeo, quizás del tamaño del ego de sus progenitores o de la expectativa social. Distraída y alicaída muestra a un bebé en un mundo de adultos. Sin juzgar expone lo absurdo de estos concursos, expresando cierta aprehensión por todos aquellos que pretenden alcanzar la fama y la celebridad a través de sus hijos.

CONTRASTE


La crítica, por Weegee, 1943.
Gelatina de plata sobre papel.
Museo J. Getty, Los Ángeles, California, Estados Unidos.


Esta podría ser la portada de cualquier revista de moda. Hasta que reparamos en la mujer que se aferra con fuerza a su bolso, en una tonalidad más oscura. Como en las pinturas funerarias de Egipto el tamaño de las tres figuras es muy relevante. Hacen alusión no sólo al poder adquisitivo que queda claro con el contraste en las vestimentas, sino también a la relevancia social. Weegee era fotógrafo de prensa y un apasionado de las historias. Hasta tal extremo que muchas fuentes aseguran que la mujer desaliñada era una borracha del Bar Bowery convencida para la pose. La aventura del foto-periodismo. 

"La fotografía te enseña a pensar rápido, te da seguridad y confianza en ti mismo. Cuando sales a cubrir una noticia, no hay marcha atrás, tienes que hacerlo."

Weegee

Mañana del sábado, mientras paseaba fijé la vista en el kiosco al que me aproximaba, revistas de moda, de joyas, de diseño, de Arte, de todo tipo... Al bajar la mirada una señora pedía dinero. Weegee y la revista "Life" (1943) aparecieron en mi mente; contraste.


Porque una imagen dice más que mil palabras, y muchos de esos mensajes merecen un tiempo de análisis.


Especial Domenica.

IL CARMINIO