PINCELES VIVIENTES, breve encuentro con Klein.

Si hay algo que debemos tener claro es que el Arte hace mucho quedó liberado de formalidades y clichés. Formas y materiales quedaron únicamente sometidos al arbitrio de la imaginación. Pero existen emociones derivadas de su creación que persisten en el espacio-tiempo. Después de la entrega de mi último encargo del año llegué a casa. Allí me esperaba ese espacio vacío en el caballete. Sentí una emoción fuerte, la esencia se había ido. De uno de mis extenuados pinceles resbalaba lentamente una gota de agua mezclada con pigmento. Pude ver como brillaba en su descenso ¿Y si mis instrumentos no fueran pinceles?, ¿y si fueran algo vivo y palpitante? Enseguida apareció:

KLEIN

en mi mente...

"Io" acrílico sobre tela, 1,40 - 0,60 m.

A PESAR de su corta vida sus obras han sido las más destacadas en su período pictórico. Nos encontramos ante el Nuevo Realismo francés coetáneo al mundialmente famoso ART-POP. 

Sopa Campbell por A. Warhol.
Acrílico sobre tela; 0,915 - 0,61 m.
Aachen; Colección Ludwing.

Unas breves consideraciones; como es sabido el Arte de un determinado laxo de tiempo es el reflejo esa sociedad. Y esta nos va a revelar aspectos muy interesantes. El auge de este movimiento se alcanza en los años sesenta justo cuando J. F. Kennedy  es elegido como presidente, hasta 1968 cuando es asesinado Robert Kennedy. Instante en que se produjo el gran apogeo del consumismo. 

Traducción: un Arte fácil, dúctil, prospero y sin demasiadas pretensiones. Reflejo del bienestar de la nación. Existían críticas (por cierto sector del Art-Pop cercano a los Hippies) pero de manera generalizada no traspasaba las fronteras del ARTE. Mientras tanto acontece el conflicto bélico en Vietnam. Recordemos la fotografías de Martha Rosler en este punto. La toma de consciencia de la mujer ama de casa que plenamente consciente de los acontecimientos del mundo queda relegada a un segundo plano de la vida, al hogar ¡casalinga ideale!.

Al otro lado del Atlántico...

Antropología de la época azul ANT-78 por Klein; 1969.
Pigmento azul y resina sintética sobre papel; 2,18 - 1,32 m.
Londres, Galería Anthony d´Offay.

En Europa era bien distinto; lenta recuperación económica + recuerdo de las vanguardias + nutrientes del Pop norteamericano = Nuevos y actualizados manifiestos del Arte. Establecían nuevas metas y objetivos. En este ritmo frenético Pierre Restany aglutinó un selecto grupo de artistas afines: Klein, Raysse, Arman, César, Tinguely, Spoerri, Hains, Villeglé y Dufrêne. Más tarde Christo, Niki de Saint Phalle y Dechamps se unirían al selecto club. 

Todos los caminos conducen a Milán... y pasan por París.

El conjunto tenía una órbita de actuación conjunta sin embargo poseían características muy particulares. Imaginemos que cada uno de ellos era de un color distinto y todos confluyen en el NEGRO. Era necesario dejarlo por escrito, por ello en abril de 1960 reunidos en Milán firmaron "Les nouveaux réalistes" y un año más tarde harían lo mismo en París con "A 40 degrés au-dessus de Dada".

"La pintura de caballete o cualquier otro medio de expresión clásica en el dominio de la pintura o la escultura ha llegado a su fin... ¿Qué nos proponemos en la actualidad? La apasionante aventura de lo real, percibido en sí mismo y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa". 

Les nouveaux réalistes.

El primero de la clase, Klein por muchos es considerado un adelantado a su época. Sus planteamientos corrían el peligro retratado en varias ocasiones; la incompresión. Sigamos con el planteamiento anterior, la personalidad de Klein es de color negro, negro intenso y compuesto por toda la gama cromática. Por esto es el más destacable de todos. 

¿Y por qué tiene tantos colores? 

Fotomontaje de Harry Shunk para el "salto al vacío" de Yves Klein.

Reproducido por el artista en "Domingo 27 de noviembre, diario de un solo día".

Klein propone saltar, sin hilo y sin sujeción. Y en ese estado de descendimiento componer, crear, escribir, pensar y vivir. El miedo al vacío ha hecho que rellenemos la vida con utensilios, prendas, piezas, elementos y accesorios que buscan darnos sustento. No queremos ser seres estáticos, sostenidos en la nada por el riesgo que ello supone, el miedo al dolor, a precipitarnos al vacío. Entrada destacada.

Gran parte de su infancia transcurre en Niza con sus abuelos que de manera constante viajaban, estudió piano, ingresó en la Escuela de la marina mercante, practicó judo obteniendo incluso una plaza en el Instituto franco-japonés en Tokio, de la mano de Claude Pascal llegó a interesarse por el esoterismo (miembro de la secta Rosacruz vinculada a los Illuminati), practicaba la meditación y el vegetarianismo.

Y todo esto se traduce en una pintura monocrama en rosa, dorado, verde, rojo y especialmente azul. Este último sería su color sin matices. "International Klein Blue" llevan por nombre una serie de paneles monocromos azules que Restany que escribió los textos de presentación compararía con la célebre Capilla Scrovegni de Padua. No he podido evitar pensar en un hipotético encuentro entre el maestro Giotto y estas obras...

PINCELES VIVIENTES.

Realización de una Atropometría en casa de Yves Klein, por Klein hacia 1960, París.
Podemos ver los músicos al fondo y a las modelos en plena ejecución de la obra, bajo la supervisión del artista.

Como ya sabemos este movimiento elimina o suprime todos los instrumentos clásicos de creación de Arte. Excluye pinceles. Por lo tanto nos quedan las modelos, el soporte y la pintura. Los pinceles vivientes son las propias modelos embadurnadas en color que imprimen los trazos en las telas. Y lo hacían a ritmo de Jazz. Klein suprime por completo el dialogo entre la mano, el pincel y la expresión. Torsión, movimiento y expresión nunca han estado más unidos. Pero va más allá, ahora comprenderéis el motivo. Una de las preocupaciones más grandes de los pintores, galerías y Museos es la conservación de la obra terminada. Klein en cambio incluye en el proceso de creación la exposición a los elementos atmosféricos. La lluvia, el viento y los estragos del tiempo concluyen la obra. Nos queda un elemento; el fuego. Ejecutadas sobre telas de amianto y equipado con un lanzallamas Klein intereactúa con este elemento consiguiendo efectos nunca vistos antes en la Historia del Arte.  

IL CARMINIO

AL OTRO LADO, EL MISTERIO.

Primera obra del nuevo año para un encargo, desde mi taller.

El misterio, según la R.A.E. es un asunto secreto o reservado. Adolece en nuestro tiempo, todo es exhibido. Sin embargo perdura, ese placer de la curiosidad, en el Arte. En la mayoría de los casos el espectador a través de la obra no llega inmediatamente a un perfil de la mano que la ejecutó. Abrimos la puerta a la imaginación, a la evasión y a la recreación. Colores, formas y pinceladas inundan nuestras retinas ¿qué quiere decir?, ¿Dónde fue pintado?, ¿dónde ha estado hasta llegar a este momento donde puedo verlo?. Durante esos minutos nuestra mente se expande, cuelga un cartel de "NO ESTAMOS".

Esto es lo maravilloso del Arte, su capacidad de abstracción. Al mismo tiempo su universalidad, se trata de un mensaje directo con formas diversas. ¿Quién hay al otro lado?

En la entrada anterior hablamos de Arte como necesidad, pero al mismo tiempo salvación. Y claros ejemplos encontramos en todos esos artistas que desafiaron las reglas que predominaban en su tiempo y sí, hablo del mismo Van Gogh. Tan solo vendió una obra en vida y dejó de existir sin disfrutar de su reconocimiento. Como Manet con su "Olympia" en una académica París. Paul Gauguin, abandonó su trabajo y cómoda vida para pintar y cruzar hasta América, sin demasiado éxito en vida. Se ha convertido en el ideal de artista rebelde, enfrentado a la sociedad burguesa y materialista. Más tarde cambiarían la Historia del Arte y la forma de expresión. Definitivamente el Arte para ellos debió ser algo superior e indispensable, ligado intrínsecamente a sus existencias.

Artistas y Sociedad; relación crítica.

La óptica reeducada del espectador es la clave del misterio. En pleno siglo XXI nos resulta curioso o anecdótico que estas obras supusieran una crispación en las sociedad de finales del siglo XIX y principios del XX. Y todo ello es debido a la Modernidad de la que disfrutamos y en la que crecemos. Reconocemos sus elementos indiciarios en el Arte que vemos. Imaginemos que estamos mirando unas escaleras, en cada escalón, siglo por siglo, el Arte que le corresponde. Llegaríamos al último peldaño reconociendo y captando el hilo conductor del Arte. El transito de uno a otro supone un nuevo esfuerzo motriz. 

Escándalo, el padre del Impresionismo.

Olympia, por Manet, 1863.
Óleo sobre lienzo; 1,30 - 1,90 m.
París, Museo de Orsay.

Numerosas publicaciones se hicieron eco del sobresalto social que provocó la obra. "Una epidemia de locas carcajadas se desata ante el cuadro de Manet" apuntaba el Moniteur des Arts. Por su parte La Presse lanzaba su dardo envenenado sobre "Olympia" así; "Cuando el Arte desciende tan bajo no merece ni siquiera un reproche". Incluso por temor a la ira popular el cuadro fue custodiado y exhibido en lo más alto de la Sala. ¿Elementos provocadores? 1. La blasfemia; la referencia a La Venus de Urbino de Ticiano fue interpretada como un ultraje al maestro de todos los tiempos. 2. Las flores que la criada muestra a la joven son un obsequio de un admirador en lugar del cofre de desposada de La Venus. 3. La dulce pasividad y la sumisión de Ticiano tornan en la irreverencia e impertinente seguridad de Manet. En otras palabras, nuestra dama es una prostituta de lujo que mira con firmeza y desdén a la pequeña y mediana burguesía que frecuentaba la Sala.

Los insultos del color.

La visión después del sermón por Gauguin, 1888.
Óleo sobre lienzo; 0,73 - 0,92 m.
Edimburgo, Museo Nacional de Escocia.

Ese mismo año Paul Gauguin escribía una carta a Vincent Van Gogh. En ella cuenta que en esta obra quiso captar la simplicidad rústica y supersticiosa de los campesinos. Los personajes son completamente costumbristas mientras que el paisaje de fondo es completamente impresionista. El sentido: el paisaje y la lucha solo existen en la imaginación de las gentes, que rezan al finalizar el sermón. ¿Qué vemos? Ruptura, desproporción, crítica, visión personal y sí la fase impresionista de Paul Gauguin. Estos dos grandes maestros trabajaron juntos en Arles, por ello con la culminación de este lienzo envía la misiva a Van Gogh.

Naturaleza muerta.

El sembrador por Van Gogh, 1888.
Óleo sobre lienzo; 0,73 - 0,92 m.
Suiza, Colección particular.

Domina por completo el amarillo con pinceladas vibrantes, llenas de sol, en movimiento. En esa enorme extensión  aparece un segador. Vincent ha tratado varias veces esta temática; el trabajo y siente una profunda admiración por las obras de Millet. No obstante este personaje trae consigo el simbolismo "... es una imagen de la muerte, tal como nos habla en el gran libro de la naturaleza".  Al pasar, la figura deja un rastro oscuro e inerte; la naturaleza muerta. Otros ejemplos similares son "Los Girasoles" del mismo año y que se encuentra en la Galería Nacional de Londres. Al igual que "Lirios" fechado en 1890 y ubicado en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

IL CARMINIO

¡Feliz nuevo año a todos!

ANIVERSARIO

El 28 de diciembre del pasado año este espacio cobró vida. Ha sido un año de intenso trabajo con entrevistas, visitas, reflexiones y Arte. Empezó siendo un punto de fuga, una declaración de intenciones y un camino hacia un lugar elevado, hacia lo que veis en la obra de cabecera. He compartido todos los acontecimientos de relevancia para este espacio, estudiando pormenorizadamente autores, obras y estilos. Después llegarían las exposiciones, la primera de ellas en ANIMA y la segunda en el Hotel Doña María de Sevilla.  Seguido del ingreso en MOSTRAMI. Este espacio nació con vocación de potenciar la cultura y  alimentar la curiosidad por el Arte. Y no hay nada mejor que pregonar con el ejemplo y por ello muchas de mis obras figuran en este blog. El próximo mes de Marzo viajaré a Milán de nuevo donde se abrirán nuevas posibilidades para mí y mis obras. Sin olvidar que todo lo que vea y perciba será compartido con todos vosotros. 

La participación en los premios del Periódico 20 Minutos (Nominación Premios 20Blogs) es algo que nos hace profundamente felices, estamos ante la posibilidad de ampliar nuestra frecuencia y llegar a más personas. Y sí, es un claro reconocimiento al trabajo pero también una demanda para la cultura y las Bellas Artes. Porque como Ulpiano decía, la justicia es la continua y perpetua voluntad de  dar a cada uno lo que corresponde. Y la posición del Arte y la Cultura debe ser mucho más elevada que la actual. Cualquier tiempo torna bueno si amas lo que haces o transformas lo inerte en algo productivo. Aspiramos a que más personas conozcan, curioseen y busquen. Apartar estereotipos estériles que solo conducen a emociones vacías, queremos activar el MOTOR. 

Cuando leí parte de la biografía de José Guerrero comprendí lo que allí había pasado conmigo "Recuerdo el shock que me produjo la primera exposición de Pollock, era como ir ardiendo interiormente". Mis manos estaban muy frías, las apretaba con fuerza sin comprender la energía que se acumulaba en mi interior. Simplemente busqué mi cuaderno de dibujo y desde entonces no he parado de pintar. Recordaré esas palabras el resto de mi vida.

Viaje al Sur de Italia. 
Al inicio de Il Carminio una de las proposiciones era hablaros de los viajes, sin duda necesitaba más fuego. Sabía que el mes de Agosto sería clave en mi primera exposición en solitario de Septiembre. Y así fue, cuando pisé suelo italiano experimenté emociones muy fuerte, mucho más que las vacacionales. Era Volontaria y protectora de las tortugas marinas, trabajo que me permitía viajar con un coste muy reducido y aprender. Leí que los grandes artistas como Ingres viajaban a Italia para completar su formación, el punto final lo pondría Sicilia y sus gente volcánica. Crucé el cielo solo en compañía de mi abanico y de mi cuaderno de dibujo, primero a Roma, después Calabria y finalmente Sicilia. Y una parte importante de mi se llenó del azúl, blu...

Exposición en Anima. 
Hacía dos semanas que vivía en un nuevo barrio, pedí a un amigo que me acompañara para llevar todas mis obras hasta Anima. Este lugar es especial para mí por muchas razones y por ello durante todo el invierno pasado trabajé para conseguir una fecha de exposición. Peter, el dueño me mostró las tres salas en las que debería distribuir mis cuadros, andiamo!. El día de la inauguración yo aguardaba en un segundo lugar, siempre reacia a interrumpir el diálogo de la obra con el espectador. No modifiqué ninguna obra, quería que se viera la evolución, la proyección hacia delante y el cambio por el fuego.

Los 15 días que mis obras estuvieron expuestas me diluí con el espacio y tomé conciencia de que en muchas ocasiones son las obras las que observan a las personas. Museos, salas, pasillos repletos de obras durante mis visitas me lo hicieron ver, ¡debo saber más! completar mi realidad, saber ¿qué dicen?.  Propongo un ejercicio, toma café y entra en cualquier museo, párate ante la obra que menos llame tu atención y deja que te sorprenda. Aprecia el color y los sentimientos que despiertan en ti, las figuras, el trazado y el conjunto. Después cierra los ojos y recuerda la obra ¿qué te sugiere?.

Al fondo, montando la exposición en el Hotel Doña María.
El movimiento se demuestra andando y es así como se trabaja. Primero las obras grandes, después las medianas y por último las pequeñas. No se trata de vestir paredes sino de proyectar las obras de manera ordenada en el espectador. Es más me atrevería a decir que este blog no está destinado a rellenar espacios, a vestiros sino a mostrar aspectos que nutren el interior. Ahí está la diferencia con los espacios de moda, consejos de belleza o tendencias, se trata de haceros vivir estas experiencias con el ARTE, a todos.

Inauguración de la Exposición "Manos Nuestras" en el Hotel Doña María. Ellos son mis compañeros aquí tenéis más información de la mostra. Aprovechando la noche en blanco de Sevilla arrancaba la exposición. Mucha gente con sus copas paseando  por el espacio en el que se ubicaban nuestras obras. Ha sido una oportunidad increíble para relacionarme con artistas y ese conjunto de personalidades. Y desde luego enriquecedor para mí. Imaginaros, vender todas tus obras y quedarte sí, en blanco. aquí podéis disfrutar de la exposición entera.

Entrevista para el Hotel Doña María.
Estamos en el interior del Hotel, junto a la Catedral de Sevilla.  Mis obras ya tenían comprador, se marchan. Al principio me alegré mucho, acto seguido entré en pánico. ¿Cómo puedo explicarlo? En autor cuando observa sus obras en las paredes ve el momento en el que fueron pintadas, el olor a café, la copa de vino, esas sensaciones que le acompañan hasta que finalmente abandona su ejecución. Porque una obra no se termina, se abandona.

Terraza Hotel Doña María.
Las camisas forman parte del ritual antes de pintar. Son cómodas y al mismo tiempo te permiten salir corriendo antes de que la "Paleta de Color" cierre. Las observaba día tras día, tendidas al sol, hasta que tomé la decisión de hacerlas lienzo. Aquí podéis ver uno de los primeros diseños en los que trabajé. Siempre respetando las líneas de las "mujeres" que tomo en mis obras como canal de transmisión de emociones. Para Mayo  haremos lo propio con un vestido de flamenca.

Boceto, quaderno blu.
Mostrami, es una organización que une artistas italianos que potencia el arte mediante concursos y exposiciones. Tengo la gran suerte de figurar entre ellos y de viajar el próximo Marzo con la intención de presentar mis nuevos trabajos. Todo el viaje será desgranado en este espacio, cada visita y cada persona. Os adjunto el perfil aquí.
Volver a esa ciudad es inspirador.

Trabajo y más trabajo.
Desde hace un par de días en mi taller trabajo en uno de los encargos más importantes que he tenido. Y ciertamente no me gusta en demasía mostraros cada logro, al menos no sin deciros que lo más importante para mí es la rutina y el trabajo diario. Recordemos las palabras de Antonio Canova "Lavoro anche quando dormo, sognando" (Trabajo también cuando duermo, soñando). Me pierdo entre libros, galerías, visitas...

GRACIAS A TODOS.

IL CARMINIO

"Tondo Pitti" al Ornamento

Durante la Historia de la Humanidad el ornamento, las joyas o ajuares han sido de vital importancia. El especial interés que suscita se debe a su simbologia, una rica variación a lo largo de los siglos. Desde el clasicismo a las vanguardias, el Arte de los ornamentos o joyas nos habla de la alcurnia de la sociedad, del pensamiento preponderante y de los estilos predominantes. Artesanos y diseñadores de cualquier tiempo ponían al servicio de los encargos su destreza e ideas. Hagamos un viaje intentando traer a nuestra memoria obras clásicas, modernas y coetáneas a este momento. ¿De qué tipo de sociedad nos habla?

Águeda Rojas para Agatha R. Joyas
Joyas de Agatha R Joyas
Fotografía: María J. Gordillo
Real Alcázar de Sevilla

Pero lo que hoy os traigo es parte de mi trabajo fotográfico para Agatha R. Joyas, una joven firma sevillana que apuesta por otorgar a sus diseños un sentido vivo de modernidad y tradición. Cuando por primera vez vi sus diseños no tardé en visualizar en ellos el sensibilidad en el cuidado del Modernismo Catalán, a la mujer mediterránea, a Carmen, al azahar deslinzandose al suelo con un golpe de viento, a Sevilla... En definitiva al amor del proceso de creación le siguen las ganas de crecer de las que (creo) carecen algunas firmas mundialmente conocidas. Hay que recuperar el alma, la esencia y la fuerza. Hay que abrir puertas y dejar que pase el aire nuevo.

Águeda Rojas para Agatha R. Joyas
Joyas de Agatha R Joyas
Fotografía: María J. Gordillo
Patio de Naranjos Catedral de Sevilla

En otras ocasiones en este espacio hemos hablado a cerca del color y de las connotaciones del mismo ¿Y si con colores puros pudiésemos reunir el espíritu romántico de la mujer del Sur?  Como ya sabéis la fotografía nos apasiona y es la forma idónea de mostraros parte del contenido del reportaje. A cargo de la firma está Águeda Rojas que posa para mostrarnos el sentido justo de sus creaciones. Para la composición hemos tratado de ser claros, el tocado en la foto superior es un lazo ancho negro colocado del tal forma que enmarque la cara y los rasgos. Siempre he pensado que la forma redonda del rostro es el marguen perfecto para engarzar ojos, labios, cejas... la expresión. 

Águeda Rojas para Agatha R. Joyas
Joyas de Agatha R JoyasFotografía: María J. Gordillo
Café Plaza del Salvador, Sevilla inspirada en la obra "La Madeleine" de Ramón Casas.

La apuesta por la artesanía y la negativa a la producción en cadena distinguen a la diseñadora. La historia de esta fotografía es curiosa. Durante uno de mis paseos al atardecer cuando no dispongo de la suficiente luz para pintar entré en una tienda MADE WIHT LOF. Al entrar pude ver unos elementos de uso decorativo muy similares a los farolillos utilizados en las ferias. Claramente visualicé ese tocado. Dos piezas; la flor de papel y una gran lazada del mismo tono aunque evidentemente se podrían estudiar nuevas composiciones. El "Nero" no es un color, sino la suma de todos que resalta y apoya a todos los demás. En este caso queríamos conseguir unidad en los diseños, de tal forma que estas composiciones muy simples constituyeran el soporte al talentoso trabajo de Águeda Rojas.

En próximas entradas iremos desvelando secretos y otras fotografías que forman parte del reportaje para Agatha R. Joyas.  Recordaros que podéis valorar nuestros contenidos en nuestro espacio en la Blogoteca del Periódico 20 Minutos: aquí. El fomento de la cultura es nuestra máxima y como sabéis tenemos una nominación a los premios del citado periódico. Gracias a todos nuestros lectores por vuestros mensajes y atención. 

¡FELICES FIESTAS!

Il Carminio

ME TOO

Colaboración con la firma sevillana Agatha R. Joyas.

Cuando surgió la idea de un proyecto fotográfico para la firma de momento surgieron ideas. Una de ellas fue durante mi visita a MADE WIHT LOF. ¿Cómo ejecutar este reportaje? En la siguiente entrada en este espacio podréis disfrutar del resultado. Además desgranaré cada detalle secreto como por ejemplo dónde y cómo diseñé este tocado inspirado en la primera etapa de los diseños de Cocco Channel y en el diseño de joyas durante el Modernismo catalán.

        Desconozco  el nombre de todas las emociones que confluyen en el ARTE. La mayoría de ellas son únicas ligadas a una sola persona, hechas a su medida. De la interactuación de estos sentimientos y esas personas nacen la expresión. Muchas de ellas son profundas bajo una apariencia superficial, cotidiana, amable y sutil. Pero en el fondo hay algo secreto, oculto, misterioso que atrae, y atrae como imantado. Como un fondo profundo que se expande.

BLUE GIRL
BLUE BIRD canción del último disco de Beach House.

Los colores claros despiertan sentimientos de pureza, de ingenuidad o de fantasía. Pero ¿cabe un espacio para la ironía y la denuncia? Claramente. Para el retrato de "Blue Girl" utilicé colores claros precisamente para evocar la infancia, los recuerdos dorados que todos tenemos de esos días. Lo hice hasta rozar lo "azucarado" y artificial. Todo mientras en las noticias circulan personas y niños, que no podrán tener esos recuerdos por la única razón de nacer en el lugar equivocado. Ese hecho que nos diferencia me hace pintar una infancia ilustrada. 

En este sentido me gustó leer la entrevista a Sharon Olds, prestigiosa poeta estadounidense y ganadora del Premio Pulizter 2015. Ha sido galardonada por el Premio Leteo que no contiene dotación económica alguna. En una intervista para El Cultural por Rafael Saravia decía: "Yo no soy ninguna heroína; al contrario soy una persona que experimenta miedo. Y lo único que puedo hacer es escribir. Pero cuando era joven iba a las manifestaciones contra todas las guerras de ataques imperialistas… cuando tenía catorce años pasaba un día por delante de Woolworths, una pequeña cadena de tiendas, y me encontré con una manifestación contra la segregación en el Sur. Estaban en círculo, y yo les pregunté que quién tenía derecho a estar allí; me dijeron que cualquiera que quisiera formar parte del círculo estaba ya allí, con ellos, y así lo hice. Di un paso adelante y me uní al círculo. Y de la misma manera comencé a escribir poemas. No fue una decisión. Necesitaba escribir".

En muchos casos el Arte bajo cualquier forma se manifiesta bajo la apariencia de entretenimiento pero de manera más profunda es y será una necesidad. Siempre imagino formas geométricas que se retuercen, algo quiere salir del ser, que no es otra cosa que la expresión del Arte. Las palabras de Sharon Olds son inspiradoras siempre, también habla sobre la inseguridad en el proceso creativo. Esta cuestión torna de vital importancia en todo proceso creativo. Añade "Creo que la mayoría de los poetas, la mayoría de mis alumnos, sufren por la falta de confianza en sí mismos. Son muy buenos, pero les falta el don de creer en ellos mismos -y creo que la mayoría de los poetas son así. Parece algo natural entre los seres humanos: tener demasiada confianza en uno mismo o demasiado poca. Y esto me anima. Parece decirme: si, haz lo que haces y confía en ello". Entrevista completa aquí.

Según el propio Leonardo Da Vinci "Una obra de arte no se termina, se abandona", Esta foto está hecha en mi taller, detrás un  ejercicio; estudio de desnudo del gran maestro Ingres con motivo de la inauguración de una exposición dedicada a su obra en el Museo del Prado. 

El concepto, pienso que es eso que todos vemos aunque la foto esté borrosa. ¿Porqué fotografiar de forma nítida algo que solo miro de paso? No observo mis pinceles, ni mis pinturas en reposo... Tampoco veo el boceto, al menos no como aparece, estoy resolviendo como terminarlo. Solo trato de levantar una idea, de hacer que manos y pensamientos sean una misma cosa y a veces es un proceso del que nacen otros. Una obra puede quedar incompleta por el comienzo o nacimiento de otras. Son lo que llamo "quaderno blu". Y pasa el tiempo, las horas, los cambios de agua del vaso para pinceles, baja el sol por la ventana, los edificios se proyectan y yo estoy ajena a todo en el quaderno blu. Inmersa en el, en ocasiones experimento una desconexión total, mucho más allá de la evasión. Esto puede llegar verdaderamente a confundir a muchos, no es tan nítido pero para mi lo es TODO. No hay dudas, no hay nada, es entonces cuando trazo y escribo.

Retrato de Sarah.

La pintura completa mi realidad y me ayuda a conocer a las personas. No sólo a identificarlas sino también a apreciar gestos y expresiones. Y es que a lo largo de la Historia del Arte son muchos los ejemplos de artistas que nos presentan a sujetos y figuras bajo su prisma, desde los clásicos a las vanguardias. Cuando decides abrazar al conjunto de estas emociones te mimetizas con ellas. Son los ojos del mundo. 

La jornada empieza con la salida del sol, el café y la planificación del trabajo y los encargos. A partir de este punto es una aventura. 

Siempre desde este espacio hemos intentado abonar vuestra curiosidad con titulares y con ejemplos empíricos, que son obras propias. Ha sido un trabajo hermoso y mediante el cual hemos aprendido mucho. Por ello nos llena de satisfacción nuestra nominación a los Premios 20 Minutos desde el espacio reservado para Blogs, la Blogoteca. 

Para valorar nuestro contenido aquí.

Il Carminio

Dar al ARTE lo que es del ARTE.

LA CAPILLA DEL ARTE.

Divino Arte que estás en los cielos.

Arte, corazón, esfuerzo, razón, 2015.
(a Serena)
MARÍA J. GORDILLO

Esta entrada está dedicada a la fascinación por el ARTE. Bajo cualquier forma, debemos dar al ARTE lo que es del ARTE. Exponemos a algunos de los artistas que estuvieron al servicio del pincel y de la expresión. ¿Qué pensamientos tiene la mano del que ejecuta la obra? Imaginemos, y déjate sorprender.

El Jarrón Rosetta, 1960.
GRAYSON PERRY.

Se trata de un jarrón esmaltado en amarillo. En el centro de la composición crece un árbol con un rótulo que expone "La Institución". De sus ramas salen ricas inscripciones como "Museo como Catedral" o "Culto al Arte moderno". En el lado opuesto de la obra podemos advertir la figura de un niño "El Artista". Grayson Perry posee una personalidad muy particular, tanto que cuando admiramos su obra pueden surgir percepciones que tras un análisis simple, constatamos como erradas. Lo que más me sorprendió al estudiar sus creaciones fue encontrar material fotográfico en el que aparece su "alter ego" versión femenina. Claramente rompedor, ya que debemos tener en cuenta el contexto en el que se desarrolló su trabajo. Siempre me ha fascinado el empleo de la cerámica en el ARTE. Desde los mitos bíblicos "La creación de Adán" pasando la cerámica popular siciliana (y souvenir "internacional" en forma de azulejo) terminando con la última exposición de Raquel Eidem empleándola en complementos en Verde Moscú.

Sin Titulo (Amantes Perfectos), 1991.

FÉLIX GONZALEZ-TORRES

Lo primero que llama la atención son los relojes idénticos y señalando la misma hora. Esta obra es dinámica, inicialmente ambos funcionan sincronizados pero con el paso de los días la pierden. El artista cubano quiere poner de manifiesto la temporalidad de las relaciones humanas, del amor. El color azul del fondo hace referencia a la dulzura de los recuerdos (donde hubo sincronía...). Y toda la reflexión la hace con objetos de la vida cotidiana. Si bien es cierto que "Cronos" aparece en Dalí e incluso en el Renacimiento con el "Tempus Fugit" este nuevo juego es la adaptación a nuestro siglo.

Quizás estemos rodeados de elementos que nos invitan a meditar en cuestiones elementales para toda persona. La conexión con esta obra es súbita y atractiva, quizás porque el empleo de relojes corrientes nos invita a una reflexión general (de lejos y sin dolencia) del amor y la pérdida. 

Recuerdo que hace días tuve un pensamiento similar cuando miraba la taza del té. Sin el calor de las manos se enfría más rápido. Si transcurre demasiado tiempo estará helado, habré dejado pasar el momento. Antes la quería ahora no la tomaré, deseos, expectativas y momentos (Reflexiones 06:00 A.M.).

Jule - La Mujer, 1985.

MARLENE DUMAS

Al estilo de los pintores fauvistas del siglo XX, aparece Marlene A Dumas. El color rojo volcánico domina la composición. Hasta que aparecen unos ojos y unos labios completamente definidos en contraposición con el contorno de la cara que se desvanece en una atmósfera de sensualidad. La mirada es clara y fija al espectador. Los dedos se acercan provocativamente a la boca. Nos acabamos de sumergir en una creación feminista y profunda, ¡estamos dentro!. Y es tan evocador lo que nos despierta que sin saber describir completamente la sensación queremos permanecer en ella. El magnetismo es fuerte y se condensa en la profundidad de la mirada de la figura. Porque la forma de acceder al observador es elegante y sutil ¿cómo has entrado?. Marlene A Dumas es considerada "expresionista intelectual". Realmente está desposeída de uno de los rasgos característicos del movimiento expresionista; la perdida del sexo de la figura (recordemos "El Grito" de E. Munch, uno de los padres del Expresionismo. La figura es asexuada y emite un profundo sentimiento agónico. No podríamos saber si es hombre o mujer, solo somos conscientes de su angustia). Al contrario, estamos ante la exaltación de los rasgos femeninos. Cada día aprendemos un poco más y adoramos el fuego que despierta el ARTE. Todos ardemos por dentro.

Pasteles surtidos, 1981.

WAYNE THIEBAUD

Pop estadounidense, con colores fuertes que aportan sensación de falsedad a los pasteles. Repite el parámetro una y otra vez, como si estuvieran de venta al público. Se trata de la fase inicial del trabajo de este artista. Actualmente diseña paisajes urbanos y cosmopolitas. Precisamente por ello ha sido elegido para cerrar esta exposición. El ARTE cambia, muta y nunca permanece invariable. Si bien un lienzo no varia por si solo si lo hacen los ojos del observador. Son rupturas totales que muestran aspectos de la vida cotidiana, como el abuso de grasas saturadas norteamericano, la apetencia o la sobre exposición de un mismo elemento. Bollería industrial, cafeterías amontonadas y repletas de personas. ¿Hay siempre un trasfondo en la pintura? para reflexionar...

LIBROS MUY RECOMENDABLES: 

Painting beyond Pollock, Morgan Falconer, Londres, Phaidon, 2015. 

Fotoinspiración Macrofotográfica. 1x. com, Madrid, Anaya, 2015.

Diccionario visual de términos de Arte, Lorenzo de la Plaza Escudero, Adoración Morales Gómez, José María Martínez Murillo, Madrid, Cátedra, 2015.

                               

IL CARMINIO

Notas mentales #1: Sicilia.

Viaje desde Calabria a Sicilia

"Blackness turning blue and blue suggesting blackness".

(La negrura que azulea y el azul que sugiere la negrura)

*

"El tintán de metal blanco me esperaba, con los nervios arrugué el boleto. Subí las escaleras hasta arriba donde una enorme sala de pasajeros esperaba. Quería sentir el soplo así que salí. La nao no me pareció tan grande, coches y personas estaban debajo de mis pies. ¡En marcha!.

Todo era azul, profundo. Cada vez más habría los ojos y el viento me empujaba hacía atrás. Llevaba puesto un vestido ajustado bordado y garzo. Aún no lo sabía, pero esa ínsula tenía un magnetismo fuerte con sus hijos. El barco daba pequeños saltos a los que yo reaccionaba apretando las manos contra el pecho. Hace escasos minutos el mar y el cielo no tenían esos colores tan puros. 

"The sea is but a curly light".

(El agua que es una luz rizada)

*

A medio camino no hay nada, el placer de alejarse de un extremo y el impulso de aferrarte a otro pero sin atreverte. Veía el perfil del Etna rodeado de nubes. Mis ojos estaban vidriosos por la acción del aire, todo estaba desdibujado, desenfocado... 

Un niño apoyado en la barandilla me miraba, "Vot et Ipsam Civitavem Bendecimus". Al fondo Messina, una ciudad reconstruída tras el terremoto de 1908 con una población de 245.159 habitantes (Folletos para turistas). 

"The restless surface of sea, gate of the silent underworlds".

(La superficie inquieta del agua, puerta de los submundos silenciosos) 

FELIPE BENITEZ REYES

Dentro de mí algo más viejo que yo encajaba perfectamente. ¡No me esperaba esto! ahora no era de ninguna parte. Tomé aire y también mi pesada maleta y comencé a descender cuando ví que todos los demás lo hacían. Estaciones, trenes, viaje por el litoral hasta Catania. 

Aún sueño con ese momento, secreto, discreto y vivo".

Podemos fotografiar todo aquello que pueda ser fotografiado, la emoción queda encapsulada en un lienzo.

IL CARMINIO