A TRAVÉS DEL MODERNISMO, RAMÓN CASAS, HERMEN ANGLADA CAMARASA, JULIO ROMERO DE TORRES Y OTROS
Estudio 5 IL CARMINIO
Fahion Week en Milano de D&G
En esta entrada hablaremos de ARTE, de belleza con el único objetivo de disfrutar y ahondar en la tradición y atributos que rodean a la mujer mediterránea. Hacemos en el título clara referencia a un movimiento que marcaría un antes y un después en el color, las técnicas y temática en la pintura española: el Modernismo (desde 1988 hasta la primera década del siglo XX). Y todo ello obedece a una idea que nos asaltó tras ver la colección Primavera- Verano 2015 de Dolce & Gabbana. El ARTE bebe del ARTE, ahora mostraremos de qué formas. Al ver los diseños lo primero en lo que los ojos se detienen es en la apariencia marcadamente mediterránea de las composiciones. Flores, colores vivos, claveles en el pelo, pendientes dorados y de considerable tamaño. También los sencillos peinados, recogidos bajos con la linea del pelo en el medio, que permiten con suma suavidad la apreciación sutil de los rasgos. Ojos y labios encuadran los rostros adquiriendo todo el protagonismo.
¿A qué nos evoca?
Backstage D&G
Obra de Ramón Casas
Mi mente fue asaltada por las obras de artistas como Ramón Casas (1866- 1932) con sus mujeres luciendo mantones de manila y chaquetas de corte taurino. La luminosidad del maestro de la claridad y del color por excelencia Joaquín Sorolla (1863- 1923). Tratando la temática mediterránea con elegancia. Aquí debemos hacer un inciso, el pintor sentía especial admiración por Anders Zorn, así como influencias del estaunidense John Singer Sargent y del inglés J. McNeill Whistler.
Detalle Julio Romero de Torres
Éstos a su vez con el influjo del mismo Velázquez. Incluso en seguidores del pintor valenciano como Laureá Barrau podemos encontrar pigmentos acordes con nuestra idea comparativa. En todas estás obras había elementos comunes y no solo por que pertenecieran a la época moderna, sino también por el empleo de un simbolismo rico. Como el empleo del mantocillos; cuadrados de seda con colores vivos, bordados con motivos florales o con pájaros y rematados en los filos por flecos. Es originario de China, en contra de la creencia de que sea una prenda originaria del folclore mediterráneo. Se hizo popular en España y en Hispanoamérica durante el siglo XVIII y desde entonces ha evolucionado. Sin duda una de las prendas que mayor feminidad y sensualidad desprenden. Incluso Benito Pérez Galdós en su novela Fortunata y Jacinta hace una reflexión bastante interesante de la historia de este accesorio. Y justamente al sondear este pensamiento aparecen dos nombres más Hermen Anglada Caramasa (1871- 1959) y Julio Romero de Torres (1874- 1939).
Obra de Hermen Anglada Caramasa
Pasarela en Milán, diseño D&G
Si combinamos los motivos florales con los accesorios dorados y vivos empleados por Hermen, la mirada profunda y la sencillez en el cabello recogido de Julio Romero de Torres, la gama de mantones y chaquetillas toreras de Ramón Casas, la delicadeza y el tratamiento de la luz de Joaquín Sorolla; obtenemos la composición de la mujer mediterránea presentada por la firma Dolce & Gabbana. Así pues, cuando en tiendas y en revistas veamos estos diseños, podríamos pensar que son una sinfonía de las mejores obras de estos artistas y no sólo vestimenta con caducidad.
Estudio 5 IL CARMINIO
Uno de los padres del movimiento modernista, Rusiñol hizo un discurso en el que hablaba de la necesidad de lograr: "Un modernismo sin yugos ni exclusivismos, ni perjuicios, ni exigencias, ni rencores ni limites; el modernismo sin dogmas, ni reglamentos ni estatutos, ni mandatos imperativos; nada de hacer comulgar con principios ni ideas estudiadas, discutidas o aprobadas en congresos, nada de negar el aire y el fuego a los adversarios, nada que suponga autoritarismo; nada de lo que es esencia, vida y condición imprescindibles para nuestros partidos madrileños. El Modernismo libre y bien libre; muy tolerante, mucha hermandad, mucho humor, alegría, gran despreocupación, enemigo de los insultos y presuntuoso, trabajando para romper moldes de la actual organización del Arte y la Sociedad; con verdadero espítitu y acción revolucionaria, con pensamiento bien alto y bien desinteresado para llegar a la anarquía en la que el Arte, la verdad y la igualdad, tienen cifradas sus aspiraciones".
Estudio 5 IL CARMINIO
Esa es la auténtica tendencia, la que busca la fractura con los principios inspiradores ya considerados clásicos pero que al mismo tiempo se nutre de ella, la mejora y pavimenta el mundo del Arte. De este modo hemos querido darle la bienvenida a un nuevo tiempo, a la primavera. Se trata de nuestro PIF4 con el que activar el florecimiento de ideas. Es cierto que a veces la moda ocupa ese lugar superficial y pasajero, pero en realidad detrás del diseño hay una importante labor de confección, y de búsqueda. Como nosotros intentamos hacer en cada una de nuestras entradas. Por lo tanto hablamos el Arte de componer, una prenda, un lienzo, una pieza musical, un edificio, una fotografía... Hemos atisbado a la mujer cordobesa, a la mujer andaluza en general, a la castiza castellana a través de obras con mucha personalidad uniéndolo al diseño de la marca italiana.
Estudio 5 IL CARMINIO
Estudio 5 IL CARMINIO inspirado por el calzado D&G
Desde IL CARMINIO nos gustan las sorpresas. Milán se vistió en la pasada Fashion week a la española, aunque críticos lo denominen mediterránea. Así pues decidimos hacer un guiño desde nuestro espacio a la ciudad lombarda y a los diseños de D&G. Esperamos que lo disfrutéis y agradeceros vuestro apoyo como lectores. Actualmente ya estamos insertos dentro de la Blogoteca del periódico 20 Minutos, donde podréis entrar a valorar las entradas.
Para hacer más llevadera la espera hasta el próximo día seis de febrero, os dejo con un vídeo obra del fotógrafo Matt Irwin y cuya canción esdel grupo Garbage. En el último número de la revista Vogue fue el artísta de referencia para realizar la portada así como las fotos de la Fashion week de Milano de 2015 con la modelo española Blanca Padilla.
La banda está formada desde 1994, su vocalista es Shirley Manson junto con los productores Butch Vig, Steve MarkeryDuke Erikson. Las desinencias de esta banda canalizan el rock alternativo. Tienen una discografía de lo más variado teniendo en cuenta su evolución y lo meditado del tiempo de grabación entre sus trabajos. En 2012 tras siete años de ausencia del panorama musical editaron "Not Your Kind Of People" bajo su propio sello discográfico.
La canción que nos ha servido de inspiración para la realización del collage es de un grupo francés cuyo psicodélico ritmo es adictivo; Le Femme, con el título; Sur La Planche.
Estudios científicos lograron dar en 2012 con el gen que activa el florecimiento de las plantas. Su nombre, como descubrimiento contemporáneo, es PIF4. Se activa con el calor, con la subida de la temperatura exterior. De ese modo se constituye el interruptor floral y compositivo de la Primavera para nuestro disfrute. Del mismo modo proponemos para los próximos meses de Febrero y Abril, ediciones especiales de IL CARMINIO que preparen la llegada de esta cálida estación. De la mano del Modernismo analizaremos las tendencias en moda para este próximo año. Comparando las obras de Ramón Casas (1886-1932) con las propuestas de inspiración mediterránea de Dolce & Gabbana (Primavera- Verano 2015 Milán Fashion Week). También vamos a proponer sencillas ideas que requieren labor, para conseguir mediante el reciclaje de un mantoncillo una visión personal de lo dicho.
Libro Lorenzo Caprile
¡El Arte bebe del Arte y es asombroso lo que se puede descubrir con la comparación!.
Bajo el nombre del "Guante Rojo" y tras la publicación del libro de Lorenzo Caprile hemos decidido acercarnos a las tiendas, elaborando un cuestionario y con la realización de bocetos, realizaremos un mapa del diseño. Por otra parte, un colaborador especial que actualmente reside en India, nos permitirá acercarnos a su cultura, al tratamiento del color, a la técnica de los tejidos y a los pigmentos vivos. Todo ello con una importante reseña a la impresión personal del país. Aún tenemos por confirmar la entrevista a la propietaria de una Galería sevillana y no podemos por ello dar más detalles. No podía faltar una propuesta musical para estos días de la mano de Bob Dylan y su nuevo disco "Shadows In The Night" donde podemos escuchar versiones de temas del mismo Frank Sinatra.
Según comentan son canciones que Bob Dylan
escuchó durante sus primeros años de carrera
musical y causaron gran calado en sus desinencias
musicales.
Desde IL CARMINIO hacemos todo lo posible para acercar de una manera agradable y poco artificial el Arte bajo cualquiera de sus formas. Por otra parte también queremos hacer un manifiesto en contra de todo aquello que suene a la simple acaparación de cosas bonitas, cada pieza debe tener un valor con sabor propio.
<El Amor que viene, el Amor que va y el Amor que se queda>
Ilustración de Paula Bonet
Durante estos meses he admirado el trabajo de ilustradoras como Paula Bonet. Sus personajes están llenos de emoción. Incluye en sus dibujos y en el interior de sus mujeres corazones palpitantes, flores, océanos, montañas y paisajes. En definitiva, hace su Trabajo como pocas e ilustra a sus admiradores de forma sincera, sencilla y hermosa. Tenía en mi ánimo esta idea y falta de tiempo. Siempre he pensado que cuando el amor y sus fases nos alcanzan en nuestro pecho florecen sensaciones. Como si en el centro de nuestro motor pasáramos por épocas, primero el Renacimiento (enamoramiento), después el Barroco (la madurez producto del daño) y finalmente el Impresionismo (la explosión, el florecimiento de colores). No acontece necesariamente en este orden. Y si la historia tiene final; la huella en positivo como en la pintura rupestre.
O quizás sean como estilos, en mi opinión el amor sereno y discreto que se queda tras el dolor es un intimista y detallado mural japonés. Hay muchas posibles alternativas e ideas para intentar, sin palabras, expresar lo que acontece en nuestro corazón. Definitivamente el ARTE abre la puerta a la evasión y a la imaginación para ejecutar el plan.
Siempre me ha maravillado la estatua en conmemoración de G. A. Bécquer en el Parque María Luisa. Una vez mientras paseaba escuché como el conductor de un coche de caballos contaba a sus clientes el significado de las tres damas que acompañan el busto del poeta sevillano: "el AMOR que viene, el AMOR que va y el AMOR que se queda". De ahí el nombre de esta entrada.
En el fondo, las fases; el resurgir de la esperanza del nuevo amor, el estallido de color y la huella de su partida. Por ello y de nuevo en mi habitación sentí la NECESIDAD de expresar todo esto de la mano de la fotografía y con la ayuda de pinceles. Para mi ha sido una búsqueda de la verdadera caracterización de los sentimientos que experimento y que he querido compartir porque son universales y no sólo propios.
El resultado; unas fotografías caseras y en plena búsqueda del <ser> al estilo de Vivian Maier. También he querido sacar toda la artillería de la génesis de IL CARMINIO.
La mente despierta, los ojos bien abiertos y los labios apretados, así bajé los cinco escalones en dirección a la Exposición. Cualquier noción de arte occidental debe ser descartada para comprender e interpretar las directrices básicas de las obras protegidas por esos muros. Entre la extrañeza y la fascinación paseaba por las estancias haciendo un enorme esfuerzo de entendimiento. Los sentidos y la parte animal se encargaron de conducir la complejidad mental. Comencemos el viaje.
En la sala principal y de planta cuadrada, encontramos las primeras obras de una simplicidad sin medida. Por suerte y gran acierto de la organización de la muestra, en unos escuetos folletos se orienta al visitante, aportando no sólo los datos de identificación de la obra, sino también a cerca del sentido, de lo que podría estar tratando de decir, del tema que plantea, del empleo de medios, de su procedencia y de qué normas rompe...
Al fondo obra de Richard Serra "Double Rift I" 2012. Se trata de un cuadro enorme, rectangular y en posición horizontal. Predomina el negro sobre el blanco. El blanco aparece en forma de rasgadura, en dos vetas en forma vertical terminadas gradualmente en punta, como si fueran lanzas que se funden con los márgenes, una de ellas con el de abajo y la segunda cruza la obra por completo. Sorprende la rugosidad de la composición, sin embargo la parte blanca es lisa. Recuerdo que delante de la obra pensaba en ella como una enorme pieza de pizarra enmarcada en yeso. Después cuando tomé distancia justo al irme, tuve la sensación de que eran persianas o cortinas, que dejaban pasar franjas de luz blanca. Detrás de las cortinas había otro espacio distinto. Sentía mucha curiosidad por atravesar esas cortinas y contemplar un mundo sugerido por un blanco liso.
"Cerré los ojos y me imaginé despegando con mis propios dedos las cortinas y atravesando el marco, descomponerme en un haz de luz".
Estaba ante un ventanal y en el segundo plano estaba lleno de evasión clara, nueva y quizás la más efectiva de las conocidas. Cerré los ojos y me imaginé despegando con mis propios dedos las cortinas y atravesando el marco, descomponerme en un haz de luz. O quizás un buen lugar en el que dejar (más bien lanzar) el corazón durante los periodos de derrame y curación.
Alrededor de la sala por un pasillo redondo llegué a un pequeño altar a Yves Klein. El miedo al vacío ha hecho que rellenemos la vida con utensilios, prendas, piezas, elementos y accesorios que buscan darnos sustento. No queremos ser seres estáticos, sostenidos en la nada por el riesgo que ello supone, el miedo al dolor, a precipitarnos al vacío. El impacto se produce cuando veo la foto en la que el propio Yves Klein mantiene un diálogo con el vacío, con la oquedad entre su cuerpo y el suelo. Tampoco queremos ser seres dinámicos sin un eje de apoyo. Klein propone saltar, sin hilo y sin sujeción. Y en ese estado de descendimiento componer, crear, escribir, pensar y vivir. Así el artista hablaba de que para expresar el vacío en sus composiciones era menester conocerlo, sentirlo y experimentar con el. Y sólo de ese modo exteriorizar el éxtasis que produce la gravedad. Supongo que llega un momento en el cual estar en continuo descendimiento hace que te fundas con el paisaje en caída, con el tiempo, con el desorden y que los cuerpos se difuminen. El miedo, no sirve de nada, omitiéndolo al menos se disfruta del trayecto, y siempre podemos gritar lo que nos hace sentir en ese momento -la nada-. Yo le grité a un chico italiano "Te quiero" desde un tren en marcha. Fue un instante aterciopelado cuando recordé todos aquellos saltos tímidos y el ardor vivo de los grandes. Es tiempo de piruetas.
"A estas alturas la exposición había tratado varios de mis miedos, depurando su contenido".
Seguía caminando por el espacio sin mis rígidos patrones preconcebidos, en calma, en paz, como un "escriba sentado" atenta a cada nueva lección. A estas alturas la exposición había tratado varios de mis miedos, depurando su contenido.
Ante mis ojos "Emaki" una pieza confeccionada con la colaboración de la Casa de Asia en 2010. Se trata de un rollo de papel plisado con imágenes, una vez desplegado contiene un espacio a modo de arquitectura auto-portante en el que se ilustra visualmente el motivo inspirador de toda la exposición <El Jardín Japonés> por Shigemori. Este Jardín es trasladado cada veinte años. Para llegar al edificio central siempre hay que atravesar cuatro puertas. Éstas limpian el espíritu de la persona para alcanzar el lugar sagrado. Justo detrás del Emaki había un espejo rectangular que permitía ver todos los lados de la madeja compositiva.
Quedé completamente maravillada por el orden, por la idea de movilidad oriental, lejos de todo pensamiento sedentario, Las ilustraciones a veces eran dibujos, otras fotos e incluso grafías.
Las flores con colores vivos sobre fondos oscuros, ramas que escalan por paredes, troncos que crecen, piedras milenarias y una arquitectura al servicio de la espiritualidad. Quizás en visiones como esa, resida el alimento vital para la emoción cuando se cree haber visto todo y se experimenta el cansancio emocional. Aquí los sentidos entienden mucho más que el germen humanizado que nos contiene.
No había sentido jamás esa extraña mezcla entre fascinación y magnetismo. Las ideas se tornaban terciopelo, largos lazos de esa textura se expandían a mi alrededor.
Tras la ensoñación unas cortinas negras me cortaban el paso, cuando las retiré pude ver a una joven Yoko Ono en una filmación donde denunciaba la sumisión extrema de la mujer oriental. Su cara no expresaba ninguna emoción, ninguna de las esperadas cuando te cortan la ropa personas que de forma aleatoria van pasando. No había enfado, ni sorpresa, ni rabia, ni tristeza, ni tan sólo resignación. Sus ojos miran hacia otro lado en una pose cuidada y sumisa. Yoko Ono "Cut Piece" 1965 Película de 16 mm transferida a digital. Carnegie Recital Hall, Nueva York. Colección del artista.
Para terminar con esta nueva entrada os dejo la música que sonaba durante todo el recorrido. "Cada conjunto de dos páginas es un jardín de sonido" Glissandi. Se trata de un cuaderno con un sistema de escritura musical totalmente desconocido para mi, basado en los espacios, la armonía, los silencios y la contemplación. Espero que os guste y haya alimentado vuestra curiosidad.
Esta exposición estaba dividida en dos, una en el Centro de José Guerrero en la Calle Oficios, y otra en la Capilla del Palacio de Carlos V, para conmemorar el centenario del nacimiento de José Guerrero en 1914 en Granada.
Está centrada en sus primeras incursiones en la abstracción a través de los gravados y de los experimentales "Frescos Portátiles". Todos ellos denotan el especial interés del pintor en la integración de la pintura en la arquitectura.
Continúa con su posterior y plena incursión en el Expresionismo americano.
La muestra continúa con el recorrido del pintor por su posterior y plena incursión en el expresionismo americano, tras casarse con la periodista norteamericana Roxane Whittier Pollock. El recorrido finaliza con el reencuentro del artista con la memoria española y el regreso a España en 1965. "Autorretrato" 1950 Óleo sobre lienzo
José Guerrero cursó estudios en la Escuela de Arte y Oficios de Granada, también en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y un recorrido por Europa donde pudo conocer de primera mano la obra de artistas vanguardistas como Matisse, Picasso, Gris, Miró, Klee...
Tras este periodo el artista llegó a Nueva York, donde la corriente predominante era el expresionismo abstracto. Esto supuso una ruptura total con los cánones del viejo continente.
"Recuerdo el shock que me produjo la primera exposición de Pollock, era como ir ardiendo interiormente. El fuego que me iba estimulando a pintar..."
La visión de técnicas y formas de expresión totalmente nuevas formularon los esquemas del pintor, los colores y las composiciones se liberaron de los rígidos patrones concebidos en Europa. Él mismo decía; "Recuerdo el shock que me produjo la primera exposición de Pollock, era como ir ardiendo interiormente. El fuego que me iba estimulando a pintar". Es bastante interesante que el pintor mencione "el fuego" como elemento constructivo, como ardor pictórico, como pasión por un movimiento artístico al que aportaría tanto con su obra llena de elegancia.
Dentro de la esencia del pintor había una lucha constante, las dos formas de entender el arte, la que había aprendido y con la que se había formado en Europa, y la ruptura total, una nueva visión expresionista.
A LA DERECHA "LÍMITES" 1970 ÓLEO SOBRE LIENZO
A LA IZQUIERDA "LAVANDERAS" 1950 ÓLEO SOBRE LIENZO
Definitivamente la dualidad queda superada en el óleo "Lavanderas", constituye el punto de partida, la pieza clave de una transformación increíble y maravillosa, llena de colores puros y composiciones libres y talladas por la enorme fascinación y adaptación de los nuevos aires abstractos.
PINTURA Y ARQUITECTURA
DIEGO RIVERA "SUEÑO DE UNA TARDE DOMINICAL EN LA ALAMEDA" 1947
La inquietud manifiesta de Gerrero fue la pintura mural, que hacía posible la integración de la pintura en los espacios, en la propia arquitectura. Y para eso como todos los pintores norteamericanos puso los ojos en el muralismo mejicano. Pero el interés iba más allá de la indagación, quería renovar la milenaria tradición del fresco. En esta investigación estuvo fuertemente influenciado por Vázquez Díaz, obtuvo una Beca para desarrollar este trabajo por parte del Gobierno Francés y una vez en Nueva York haría lo mismo que todos los pintores norteamericanos de entonces, los más importantes trabajaron para la Works Progress Administration: poner máxima atención en la Arquitectura.
El uso de nuevos materiales en la arquitectura condujeron a Guerrero a querer integrar la pintura con estos nuevos elementos
Sin embargo el uso de nuevos materiales en la arquitectura (uralita, ladrillos, refractarios, silicatos, bloques de cemento, etc...) condujeron a Guerrero a querer integrar la pintura con estos nuevos elementos. Fruto de ello tenemos los "Frescos Portátiles" que revelan la pugna de un artista formado en Europa y eclipsado por el continente americano y las corrientes nuevas y en continua experimentación. Lo interesante de sus composiciones es que Guerrero conserva la retrospectiva de una identidad europea, y bajo ese prisma y tras un ardor artístico, una nueva obra para un tiempo nuevo.
A LA DERECHA "PENITENTES" 1972 ÓLEO SOBRE LIENZO
A LA IZQUIERDA "BLACK FOLLOWERS" 1954 ÓLEO SOBRE LIENZO
Desde hace varios meses intentaba concertar la idea de insertar la Arquitectura en mis dibujos. Realmente las formas de Guerrero son inspiradoras y renovadoras. También sorprende que durante la exposición observé que varias de sus obras estaban pintadas sobre cajones de madera, como bloques. No cabe duda de que superó la fricción interna entre su formación y el impacto de un nuevo Arte; el expresionismo abstracto.
Visto desde la enorme sala del Palacio de Carlos V eran formidables las formas y el color de las composiciones, con una gama cromática llena de matices.
Sin duda a través de sus cuadros, gravados y frescos se atisba a un artista que buscó y encontró en la contemplación del Arte nuevo la verdadera esencia creadora.
Os recomiendo la exposición para todos los que tengáis oportunidad de ir y queráis sentaros a admirar algo completamente nuevo, en una ciudad tan tradicional y llena de corrientes como Granada en pleno corazón de la Alhambra.
Si echamos un vistazo a la temática tratada por la Filosofía (esta entrada no pretende aburrir) encontraremos que el -amor- ocupa un lugar importante. Como punto de partida tomaremos el pensamiento clásico de Cátulo y su AMOR platónico; Clodia "ODI ET AMO". Resulta interesante el nombre con el que éste denominaba a su amada; LESBIA, ya que ésta sentía predilección por la poetisa Safo de Lesbo, que predicaba el amor entre las mujeres. O la historia de amor entre Eros y Psique contenida en el Asno de Oro y por la cual siento enorme fascinación desde pequeña.
En este punto me gustaría hablaros de un libro estupendo, de una belleza lingüística sublime, "La doble llama" de Octavio Paz. En este libro podéis encontrar el origen, la Historia y evolución del amor en Occidente. Define al amor como "la parte más sutil del fuego, que se eleva y levanta a lo alto en figura piramidal". Eterna la dualidad entre el amor, el deseo y el erotismo.
Para entender el giro en cuanto al enfoque del tema durante los siglos XI y XII, en la Provenza, es de enorme interés "L´AMOUR ET L´OCCIDENT" de Denis de Rougemont.
Y así, llegamos al siglo XX con Ortega y Gasset que decía en su Ensayo sobre el Amor; "Amar una cosa es estar empeñado en que exista; no admitir, en lo que depende a uno, la posibilidad de un Universo donde aquel objeto esté ausente". No obstante parece ser que en esta obra y para Ortega (y en definitiva para la conciencia de entonces) la Mujer es una "fuerza retardatoria, un ser que sólo es feliz ocupado en faenas cotidianas como zurcir la ropa blanca" y en este punto aparece Martha Rosler
y sus foto- montajes. Se autodenomina artista feminista, así mismo participó en los movimiento feministas de los años 70 en Estados Unidos. Representa bajo la mística imperante a la mujer perfecta, casada, hermosa y plenamente realizada en sus labores.
Con esta imagen la artista neoyorquina pretende por una parte exponer el trato de "personulidad" otorgado a la mujer y por otra parte exponer la distorsión de la realidad cotidiana: el hogar como plácida burbuja en medio de la violencia que rige en el mundo. Esta figura de mujer se siente plenamente satisfecha con su labor, y permanece enclaustrada en su esfera hogareña. (Bringing the war Home: House Beautiful).
A través de la fotografía se muestra a la mujer de la época. De igual manera y siguiendo las directrices de Ortega y Gasset, se puede conocer la verdadera naturaleza de la persona si observamos al ser que ésta ama, pues es un reflejo o proyección de uno mismo. Con todo esto y armada con prendas de los años 80, he realizado mi propio reportaje, buscando en el resultado mi encuentro. Os animo a que también lo hagáis, y lejos de la vanidad o la superficialidad, experimentéis con vuestra imagen, con lo que proyectáis.
Para este trabajo empleé la luz de un Flexo, un teléfono móvil con temporizador, una pared blanca y ropa de mi tía y de mi madre. Tenemos por tanto un elemento antiguo o retrospectivo.
Este ha sido mi resultado:
Estas fueron las fotos con las que me sentí más en armonía, las que a mi juicio son sinceras con el momento que vivo. Contemplativa y atenta al devenir del tiempo. Espero que os guste la iniciativa y en cualquier momento probéis en un clima de intimidad la experiencia..
