CONFERENCIAS SOBRE ARTE: JAPÓN, MÉXICO Y SEVILLA

Indianos portadores de tesoros 

made in Japan and Mexico.

Domingo por la mañana, mesa del fondo, tostadas con mantequilla y mermelada de fresa, café solo y cuaderno de notas... Cuando quise darme cuenta ya llegaba tarde a la Conferencia que versaba sobre el análisis de una obra perteneciente al Museo de Bellas Artes de Sevilla; La Guadalupe. Crucé la plaza iluminada por el sol de media mañana, sorteando a la gente que paseaba entre los artistas que exponen allí sus obras. Entré rápidamente tras recoger la entrada y subí las escaleras haciendo caso omiso al cartel "salida" abrí la puerta y pasé. La reunión tenía lugar en la misma sala donde se exponen las obras de Gonzalo Bilbao y Joaquín Sorolla. La gente estaba agolpada en ella, escuchando y a ratos murmurando. Lo que sería un comentario sobre un cuadro religioso acabó siendo un paseo maravilloso por Japón, Manilla y  México hasta llegar a Sevilla. 

Punto de partida

El papel fundamental del puerto sevillano

En Sevilla se conservan retratos de la Virgen de Guadalupe desde 1670, el total asciende a 200 obras similares que han podido ser inventariadas (labor indispensable para ubicar y conservar el patrimonio artístico). Por esas fechas ya se habían difundido los milagros de la Madonna. Como salvar a la población mejicana de morir asolada por una epidemia o proteger a los marineros en sus largas travesías en la mar. Por ello en los barcos y navíos se portaban retratos de la misma para salvaguardar sus vidas del arbitrio y capricho del Océano. ¿Y qué tienen de especial estas obras? Que son pura fusión. Se trata de una mezcla de los patrones europeos con iconografía mariana y los caracteres propios de las deidades en Sudamérica. A esto último habría que sumar  rasgos indígenas como tez morena y cabello negro, así como las ropas. Sin olvidar el paisaje y los motivos florales que contribuyen a que sean obras de una gran belleza exótica. Por todo ello muy pocas casas sevillanas no contaban en su mobiliario con una de ellas. 

Durante la Conferencia del Profesor D. Francisco Montes González, Profesor Ayudante, Doctor e investigador pos-doctoral del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada.
Organización; Amigos del Museo de Bellas Artes, Sevilla.

En un primer momento la producción corría a cargo de los maestros sudamericanos (indianos) y más tarde a los grandes de la Escuela Hispánico- mejicana de Pintura, que presentaban a una figura inserta en un ojo apocalíptico. Distinción fundamental con la tan venerada imagen de La Inmaculada. Pensemos en este punto en las ejecutadas por Murillo.

Zarpamos rumbo a Japón

Detalle extraído de la 

exposición del Museo

de Navarra. El Arte japonés

se caracteriza por su sencillez

y naturalidad, así como por

el uso de símbolos.

Enlace arriba en Narbán.

Lo más interesante de toda la presentación es la TÉCNICA, la cual nos llevará en primer lugar a Japón. A finales del siglo XVI y principios del XVII se empiezan a realizar una serie de piezas con la conocida técnica NANBÁN. Os adjuntamos la noticia de una exposición en el Museo de Navarra donde se exhibieron catorce piezas de ese período. La traducción del término es "Bárbaro del Sur" en clara alusión a los portugueses, españoles y holandeses que acudían hasta ese punto del planeta. <<Laca y madera donde se incrustaban trozos de nácar que por lo general se empleaban para ornamentar parte del ajuar doméstico>>. Por la rareza y lo inusual de estas piezas los residentes allí empiezan a realizar encargos. Per esempio  muchos retablos portátiles de pequeñas dimensiones destinados a decorar generalmente templos. Otras tantas serían enviadas a España con idéntico uso. ¿Pero cuáles son los nexos entre Japón y la Península Ibérica? 

Meses de travesía

Desde Japón, Acapulco (México), Manilla, Puerto de la Cruz en el Caribe...

Los maestros mejicanos tomaron contacto con estas obras que tenían por aquel entonces una amplia demanda. Entonces decidieron adoptar esa misma técnica adaptándola a sus formas de producción. A finales de siglo XVII surge un nuevo género artístico mixto en los talleres mejicanos. Hubo un taller que destacó por encima del resto, el de los hermanos Miguel y Juan González. 

El método era complejo, requiere de habilidad y destreza. Consiste en: un soporte de tablas unidas, cubierta por lienzo como base del dibujo. Posteriormente se preparan las zonas donde se embute la concha con resina animal, ya que no todo es concha. Finalmente se aplica policromía añadiendo para su culminación barniz y  polvo de oro.

Arte del Nuevo Mundo

La Virgen de Guadalupe por Miguel González, 1697.
Nácar, tabla y pintura al óleo.
Museo de las Américas, Madrid.

En total en todo el mundo existen 250 piezas de naturaleza enconchada. De las cuales 80 están en el Museo de Las Américas de Madrid. 

Estas obras son de un importantísimo valor artístico, histórico y social. Hablan de la interacción de tres culturas bien distintas entre sí. De la suma emergen composiciones únicas, ricas en matices y llenas de exotismo. Virreyes y monarcas regalaron a sus familiares suntuosas tablas embutidas "madre perla" que es el nombre que recibirían en España. Representaban escenas bíblicas pero también bélicas. Antonio Ponz (1782) en su "Viaje por España" destacaba en el Palacio del Duque del Infantado (Madrid) "un gabinete lleno de cuadros medianos embutidos en madre perla que narran las guerras con Flandes por Alejandro Farnes y las de México por Hernán Cortés."

Al final de la conferencia visité las restantes salas del Museo. Hasta llegar a la gran capilla ricamente adornada de este antiguo convento. Allí cual fue mi sorpresa ¡unos niños dibujaban en el suelo!

Elevando sus caras observaban las obras en el espacio, con sus ojos curiosos captaban el motivo de su dibujo y se centraban en terminar el trazo. Fue algo maravilloso y una oportunidad perfecta para poner de manifiesto que grandes y pequeños pueden disfrutar de estos espacios llenos de ARTE e HISTORIA.

IL CARMINIO

RADIO, ENTREVISTA EN "HOY POR HOY", CADENA SER.

En el programa Hoy por Hoy de Radio Morón (Cadena Ser).

   Cómo un viaje en autobús puede cambiar por completo el panorama de acontecimientos. Así nos encontramos con José Carlos Valverde y hablamos durante todo el trayecto sin parar. Brotaron nombres de libros, proyectos y trabajos. Un día más tarde fijaríamos la fecha para esta nueva aventura; la radio. Y es que desde su descubrimiento y expansión, este medio de comunicación resulta indispensable para la difusión de información y cultura.  Por lo que era una increíble forma de proyectar todo por lo que trabajamos en este espacio. Repasamos la lista de acontecimientos que en tan solo un año han transcurrido. Como por ejemplo nuestro paso por el Hotel Doña María de Sevilla, la inserción en el panorama artístico de Mostrami y nuestra participación en los premios 20 Blogs del Periódico 20 Minutos. Y en esta onda de trabajo surgen nuevos planes y campos de exploración. ¿Por qué no ilustrar un libro poético? ¿y escribir un artículo para el Periódico ... ?

Durante la entrevista. A la izquierda
Jorge Cruces y a la izquierda
Jesús Sánchez. 

A cargo de la entrevista Jesús Sánchez  y José Carlos Valverde que hicieron de la misma una experiencia maravillosa. Realmente enriquecedora su conversación así como los temas que hablamos antes, durante y después de la entrevista. Para saber más sobre ellos solo tenéis que hacer un click en sus nombres y directamente podréis leer artículos y publicaciones de ambos. 

Para los que no pudieron escuchar el contenido de la misma os la dejamos aquí. Es un verdadero placer intervenir en un programa donde la cultura se postula como nota máxima. Hay mil y una razones para perderse en un libro, en un museo o una galería. Como en anteriores ocasiones hemos constatado que el ARTE bebe del ARTE y cuando sucede de una forma tan armónica, el resultado es enriquecedor. 
El compromiso es firme, aportar desde Il Carminio nuestro granito de arena a la cultura. El objetivo principal es despertar vuestra curiosidad. Os damos las notas esenciales para que vosotros mismos las conjuguéis. 

G A L E R I A 

AUDIO

Al final de la grabación con Jesús Sánchez a mi derecha y Jose Carlos Valverde a mi izquierda. De nuevo agradecerles a ambos la magnífica entrevista y felicitarles por la enriquecedora labor que llevan a cabo desde los micros.

Y aquí seguiremos paso a paso en nuestro viaje por el arte y las emociones que este produce. En las próximas entradas hablaremos de besos, aprovechando la llegada del mes de febrero. Así como una  especial donde compartiré con todos vosotros el increíble viaje de uno de mis cuadros a Frankfurt.

Un año y pocos meses después de nuestro nacimiento cerramos estadísticas con 4.256 visitas anuales y correos maravillosos de todos vosotros. ¡Gracias!

IL CARMINIO

RETRATOS

STUDIO

Cuando recibes en el estudio un encargo y es un retrato siempre asaltan a la mente algunas de las obras maestras de la historia del Arte. Las primeras son a las que se les tiene un mayor apego, las más famosas y las otras ¡oh, mamma mia! un placer visual. Por ello esta entrada está dedicada a cada una de las que componen mi <haber> primero como persona y después como pintor.

Disfruta de esta selección de obras:

Leonardo di ser Piero da Vinci

Veamos, Empezamos con el hito de la pittura, el maestro Leonardo da Vinci. El pasado mes de agosto tuvimos el placer de asistir a una mostra de la Associazone Culturale Leonardo da Vinci, en Siracusa (Sicilia) que tenía por nombre "Arte & Progetti". Siempre es un placer visitar cualquier espacio donde se expongan sus tesoros pero hacerlo en el corazón blanco de la Sicilia ¡es otra dimensión!. En las grandes urbes de toda Italia podéis encontrar espacios así, que con especial mimo presentan orgullosos su genialidad. Hemos elegido a La Gioconda por ser la pieza que Leonardo llevó siempre consigo. Y desde luego por concentrar la mayor producción de obras escritas  e interpretativas de la Historia del Arte. Libros de todo tipo han alimentado el aura de misticismo que el cuadro contenía. Hasta que en el Museo del Prado se constata la aparición de una copia, coetánea a la italiana que por fin responde a tantas preguntas. Tres elementos más hacen de ella una obra maestra; su sonrisa enigmática,  tratarse de una de las escasas pinturas que se conservan de da Vinci y su técnica innovadora denominada "sfumato".

La primera es la obra original Retrato de Lisa Gherardini por Leonardo di ser Piero da Vinci, 1503-1506, en óleo sobre tabla , 0,77 - 0,53 m. (Museo del  Louvre, París). La segunda  es una copia anónima  creada  el taller de Leonardo entre 1903-1919, que podéis encontrar en el Museo del Prado, Madrid.

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El siguiente paso decisivo es elegir adecuadamente la forma del soporte, redondo, ovalado, cuadrado o rectangular. Y antes mis ojos aparece el exquisito retrato ovalado de Lady Robert Manners por 

Allan Ramsay.

Lady Roberts Manners por Allen Ramsay, 1756, 76,3-61,6 m.
Galería Nacional de Escocia, Edimburgo.

Precisamente podemos engarzarlo con el anterior apartado por la apariencia etérea que ambas poseen. De una forma ovalada emerge la imagen suave y delicada de la mujer. También de forma muy elegante se nos describe el carácter de esta dama de la alta nobleza. Como quien recita un soneto podemos captar su energía. Y es que el padre de Allan fue poeta y esta poesía retratada le concedería una posición de mucho prestigio como pintor de su época. Se formó en Edimburgo, trabajó a las órdenes de Jorge III en Londres y viajó a Italia como otros tantos de su tiempo. Quedaría maravillado por las obras italianas, quizás éstas hablaban su mismo idioma lírico. 

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La petición que me hicieron fue la de utilizar colores inspirados en el impresionismo. El lenguaje del color que el ojo moderno ama, la fuerza de 

Vincent Van Gogh.

Autoretrato por Vincent Van Gogh, 1989.
Óleo sobre lienzo, 0,65-0,54 m.
Museo de Orsay, París.

Hemos hablado numerosas veces de Vincent Van Gogh y de sus obras. Pero en este caso hablaremos de su lenguaje visual. Por ejemplo aquí tenemos un auto-retrato contenido, casi inexpresivo que mantiene la mirada en un punto fijo casi en el espectador. Los colores son fríos y se manifiestan en antítesis; naranjas vs. azules. La textura del fondo revela turbulencias, movimiento, constricción.  Y es que, queridos, este retrato está fechado un año antes de su fallecimiento (1989) y fue pintado durante su ingreso voluntario en el Manicomio de Saint- Rémy. Contraste; quietud y movimiento para el final trágico de un genio. 

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Pero antes que Vincent hubo un pintor de pintores que supo captar la feminidad como ningún otro. Había que añadir a la lista el carmín seductor de 

Gustav Klimt.

Judit I por Gustav Klimt, 1901.
Óleo sobre lienzo, 0,84-0,42 m.
Österreichische Galerie, Viena.

En la primera entrada de este espacio hacíamos una clara alusión a Klimt, Il Carminio, el carmín de los labios y pómulos de sus féminas. Por lo tanto en nuestro A.D.N. está sus dibujos y pinturas. Su riqueza es tan inmensa que podemos encontrar guiños a la obra de Diego de Velázquez, como ocurre con el Retrato de Fritza Riedler (1906). Judit I es una asociación de muerte y sexualidad, de Eros y Tanatos, que tratarían otros personajes ilustres en toda Europa como Freud. Y por último también puedes escuchar el cuadro si buscas la Klytemnestra de Richard Strauss. 

***

Lógicamente con todo en la cabeza no se puede pensar y menos dibujar. Pasados unos instantes, retomas el blog de dibujo, empiezas con un boceto y entonces; ella aparece. Es un proceso raro, donde no hay fronteras ni espacios. Encuentras lo que buscas si persistes en el trazado. En posteriores entradas mostraremos el aspecto final de la obra. 

Como siempre gracias a todos nuestros lectores por sus amables palabras. Este espacio es por y para todos vosotros.

IL CARMINIO

CONFERENCIAS SOBRE ARTE

Sevilla y el Neoclasicismo

¡a su manera!

Vista del Salón Cuadrado por Alexandre Brun, hacía 1880.
Museo del Louvre, París, Francia.
Ejemplo perfecto de la importancia que las Academias concedían a la contemplación del Arte durante el periodo ilustrado. Esta obra seguramente hubiese sido la fotografía perfecta para reflejar el momento. Obras que se amontonan como apuntes antes de ser estudiadas, repasadas y examinadas. Winckelmann introduce el "método histórico" como disciplina científica en el mundo del Arte. Tiempos en los que el hombre descubre yacimientos de vital importancia, como Pompeya.

¿Cuántas veces caminamos por una misma calle? o ¿pasamos por una misma plaza al cabo del día?. Sin dudarlo; muchas. Vías de ida y vuelta que la rutina hace transparentes.
¿Y si pudiésemos recuperar la capacidad de asombro sobre ellas? Porque siempre hay algo sorprendente, divertido e incluso anecdótico en el lugar donde vives, que los hará distintos.  Sólo necesitas curiosidad y ganas de disfrutar. Para ello son idóneas las conferencias y ponencias, para conocer y profundizar en la génesis de la urbe. Disecciona la información y transformarla en algo vivido y curioso.

Ayer mismo en el Real Circulo de Labradores de Sevilla asistimos a un ejemplo. El ponente y orador era Francisco S. Ros González, profesor del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla. Bajo el título "Una aproximación al Arte Neoclásico en Sevilla", entramos en la sala y tomamos asiento. Abrimos el cuaderno de notas. Obviamente contaros la retahíla de acontecimientos históricos y detalles estilísticos no tiene sentido, basta con abrir un buen tomo relacionado con el tema. ¡Haremos algo mejor!

Los primeros en ocupar los asientos

Detalles de la Sala  (Abajo)

Lo primero que llama la atención es la monumental presencia del edificio, el cual no habíamos visitado nunca. Las Salas realmente recordaban a las diseñadas bajo el prisma del modernismo catalán; ¡invitando a pasar!. 
En seguida subimos las escaleras hasta llegar a la Sala en cuestión. Visualizamos la localización idónea y esperamos al resto de los asistentes. 

La segunda nota de relevancia era la edad avanzada del público. Un mar de cabellos blancos y alhajas. Todos se apresuraban a los primeros asientos, como cabía esperar.

Obra de Anton Raphael Mengs, 1754.
Pastel sobre papel.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, Estados Unidos.

Tras la presentación por parte del vocal, la luz se desmayó. 
Para conocer de forma autentica el carácter de una ciudad hay que mezclarse bien con todas sus partes. Y lejos de resultarme monótono su timbre de voz mientras leía sus notas atisbé con mucho agrado cierta ironía. Y lo explicamos a continuación. Quizás un título más exacto para la ponencia hubiese sido el "Genio sevillano vs. Neoclasicismo". En efecto en esta ciudad no podemos encontrar ni un solo edificio que respetara los cánones del nuevo estilo imperante. Que se encontraba auspiciado por la Real Academia de San Fernando y controlada por la Monarquía. Y sí, aparece la palabra -control- en el Arte, en todas y cada una de sus representaciones. Hasta el punto que se dictaron leyes de obligado cumplimiento para todo proyecto arquitectónico de índole publica e incluso religiosa. ¿Abandonar Sevilla su Barroco? Nunca. Un ejemplo claro es la Parroquia de San Indefonso. Los arquitectos y maestros de obra sevillanos debieron decir; ¡Neoclasicismo e imposiciones sí, pero a mi manera!. De la mezcla surgieron composiciones únicas. Pensemos que en Europa los hijos de las clases más adineradas viajaban en peregrinación hacia el Mediterráneo oriental, absorbiendo todo el conocimiento del arte clásico. Pues a diferencia del Renacimiento, los ojos de la nueva tendencia también estaban puestos en el arte griego. Winckelmann, el padre del método histórico, dijo que "no existía arte más sublime que el griego". Curiosa exclamación por su parte ya que lo único que pudo conocer directamente de esta época fueron las copias romanas existentes. 

En este tiempo Academias como la de Londres o París empiezan a formar a los artistas mediante la copia y la contemplación de obras directamente traídas desde Italia y Grecia. En efecto, la Ilustración acaba de instaurarse. 

Al sur, en la depresión del Guadalquivir se fundaba la Escuela de Nobles Artes de Sevilla. Dicha institución fijaba su atención en la obra de Murillo, pintor que en aquel entonces gozaba de mayor reconocimiento a nivel europeo. El ferviente coleccionismo de sus obras propició un mercado idóneo para dar salida y al mismo tiempo estimular la pintura inspirada en el artista. Imaginemos lo que suponía para un artista sevillano de la época deslindarse del Barroco, criticado por ostentoso en tiempos de austeridad. Por lo tanto encontraremos construcciones y composiciones de inspiración neoclásica y de ejecución barroca. Empleando maderas y dorados en vez de piedra. Y desde luego conservando los elementos ornamentales más representativos y originales del Barroco. No hablamos de una fase del Arte sino del gusto preponderante en la sociedad sevillana. 

Por todo ello, Sevilla tiene colores y matices especiales.

Real Circulo de Labradores de Sevilla.
Calle Pedro Caravaca, nº 1.
Evento organizado por Amigos del Museo de Bellas Artes.

IL CARMINIO

FOTOGRAFÍA PARLANTE.

Una imagen dice más que mil palabras. Se podría decir que estamos rodeados de mensajes de todo tipo. Y quizás en esa obsesión por inmortalizar absolutamente cada uno de los movimientos perdemos la esencia de muchos de ellos. A ello sumemos la búsqueda de la perfección que asola perfiles y publicaciones. En esta selección fotografías queremos analizar el trasfondo que poseen y su impacto más directo en el espectador. Ha sido un medio muy efectivo para capturar la lucha por las libertades de la mujer, como crítica social y como espejo de la realidad. Antes de leer, observa estas imágenes ¿qué te sugieren?.

HISTORIA

Toma sin título, nº 3 por Cindy Sherman, 1977.Gelatina de plata sobre papel.
Museo de Arte Moderno, Nueva York. 

Casi todas las fotografías de esta serie fueron tomadas en el piso de la propia Cindy Sherman. Se mimetiza con el personaje, utilizando el disfraz para clarificar el mensaje. Con la ayuda de un espejo adquiere la posición optima. 

"Me convierto en una persona diferente. Me miro a un espejo que coloco al lado de la cámara... y es como entrar en trance. Trato de convertirme en el personaje que se ve a través del objetivo."

Cindy Sherman

En este ejemplo vemos a una mujer joven, enérgica. Podemos advertir firmeza en uno de sus brazos mientras con el otro rodea su cintura. Añade un toque de inquietud, de vulnerabilidad, una posición instintiva. Ese detalle es una pretendida crítica a la posición de la mujer en la sociedad de aquellos años. El entorno nos  retrotrae a los anuncios publicitarios de la época, invitando al consumismo que desde finales de la década de los sesenta se venía desarrollando.  

¿Qué vemos? El esfuerzo de una mujer que desde su lente exclama que "está consciente". Sin embargo en muchas de las imágenes que asaltan nuestras retinas el mensaje parece estar invertido. ¿Marcan el devenir de nuestro tiempo?
Busquemos fotógrafos más recientes... 

BELLEZA

Rayne-Lin, pequeña Miss América por Colby Katz, 2006.
Copia cromogénica, Colección de la fotógrafa.

Competición y decepción, dos conceptos que planean sobre esta imagen. Bajo una apariencia amable, dulcificada por la figura de la niña, se plantean cuestiones profundas. Los elementos son claramente simbólicos. Podríamos considerar que por muchas razones el ser humano está ligado al simbolismo. De tal manera que con la aparición de determinados ingredientes podemos visualizar el plato completo. Incluso sin ser conscientes de ello. Por ejemplo el sofá sugiere domesticidad. 

"Tengo una familia peculiar... nuestra educación nos hacer ser quien somos."

Colby Katz

Extrae al sujeto de un entorno caótico propio del mundo infantil de los juegos. En su lugar coloca a la pequeña cerca de un enorme trofeo, quizás del tamaño del ego de sus progenitores o de la expectativa social. Distraída y alicaída muestra a un bebé en un mundo de adultos. Sin juzgar expone lo absurdo de estos concursos, expresando cierta aprehensión por todos aquellos que pretenden alcanzar la fama y la celebridad a través de sus hijos.

CONTRASTE

La crítica, por Weegee, 1943.
Gelatina de plata sobre papel.
Museo J. Getty, Los Ángeles, California, Estados Unidos.

Esta podría ser la portada de cualquier revista de moda. Hasta que reparamos en la mujer que se aferra con fuerza a su bolso, en una tonalidad más oscura. Como en las pinturas funerarias de Egipto el tamaño de las tres figuras es muy relevante. Hacen alusión no sólo al poder adquisitivo que queda claro con el contraste en las vestimentas, sino también a la relevancia social. Weegee era fotógrafo de prensa y un apasionado de las historias. Hasta tal extremo que muchas fuentes aseguran que la mujer desaliñada era una borracha del Bar Bowery convencida para la pose. La aventura del foto-periodismo. 

"La fotografía te enseña a pensar rápido, te da seguridad y confianza en ti mismo. Cuando sales a cubrir una noticia, no hay marcha atrás, tienes que hacerlo."

Weegee

Mañana del sábado, mientras paseaba fijé la vista en el kiosco al que me aproximaba, revistas de moda, de joyas, de diseño, de Arte, de todo tipo... Al bajar la mirada una señora pedía dinero. Weegee y la revista "Life" (1943) aparecieron en mi mente; contraste.

Porque una imagen dice más que mil palabras, y muchos de esos mensajes merecen un tiempo de análisis.

Especial Domenica.

IL CARMINIO

PINCELES VIVIENTES, breve encuentro con Klein.

Si hay algo que debemos tener claro es que el Arte hace mucho quedó liberado de formalidades y clichés. Formas y materiales quedaron únicamente sometidos al arbitrio de la imaginación. Pero existen emociones derivadas de su creación que persisten en el espacio-tiempo. Después de la entrega de mi último encargo del año llegué a casa. Allí me esperaba ese espacio vacío en el caballete. Sentí una emoción fuerte, la esencia se había ido. De uno de mis extenuados pinceles resbalaba lentamente una gota de agua mezclada con pigmento. Pude ver como brillaba en su descenso ¿Y si mis instrumentos no fueran pinceles?, ¿y si fueran algo vivo y palpitante? Enseguida apareció:

KLEIN

en mi mente...

"Io" acrílico sobre tela, 1,40 - 0,60 m.

A PESAR de su corta vida sus obras han sido las más destacadas en su período pictórico. Nos encontramos ante el Nuevo Realismo francés coetáneo al mundialmente famoso ART-POP. 

Sopa Campbell por A. Warhol.
Acrílico sobre tela; 0,915 - 0,61 m.
Aachen; Colección Ludwing.

Unas breves consideraciones; como es sabido el Arte de un determinado laxo de tiempo es el reflejo esa sociedad. Y esta nos va a revelar aspectos muy interesantes. El auge de este movimiento se alcanza en los años sesenta justo cuando J. F. Kennedy  es elegido como presidente, hasta 1968 cuando es asesinado Robert Kennedy. Instante en que se produjo el gran apogeo del consumismo. 

Traducción: un Arte fácil, dúctil, prospero y sin demasiadas pretensiones. Reflejo del bienestar de la nación. Existían críticas (por cierto sector del Art-Pop cercano a los Hippies) pero de manera generalizada no traspasaba las fronteras del ARTE. Mientras tanto acontece el conflicto bélico en Vietnam. Recordemos la fotografías de Martha Rosler en este punto. La toma de consciencia de la mujer ama de casa que plenamente consciente de los acontecimientos del mundo queda relegada a un segundo plano de la vida, al hogar ¡casalinga ideale!.

Al otro lado del Atlántico...

Antropología de la época azul ANT-78 por Klein; 1969.
Pigmento azul y resina sintética sobre papel; 2,18 - 1,32 m.
Londres, Galería Anthony d´Offay.

En Europa era bien distinto; lenta recuperación económica + recuerdo de las vanguardias + nutrientes del Pop norteamericano = Nuevos y actualizados manifiestos del Arte. Establecían nuevas metas y objetivos. En este ritmo frenético Pierre Restany aglutinó un selecto grupo de artistas afines: Klein, Raysse, Arman, César, Tinguely, Spoerri, Hains, Villeglé y Dufrêne. Más tarde Christo, Niki de Saint Phalle y Dechamps se unirían al selecto club. 

Todos los caminos conducen a Milán... y pasan por París.

El conjunto tenía una órbita de actuación conjunta sin embargo poseían características muy particulares. Imaginemos que cada uno de ellos era de un color distinto y todos confluyen en el NEGRO. Era necesario dejarlo por escrito, por ello en abril de 1960 reunidos en Milán firmaron "Les nouveaux réalistes" y un año más tarde harían lo mismo en París con "A 40 degrés au-dessus de Dada".

"La pintura de caballete o cualquier otro medio de expresión clásica en el dominio de la pintura o la escultura ha llegado a su fin... ¿Qué nos proponemos en la actualidad? La apasionante aventura de lo real, percibido en sí mismo y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa". 

Les nouveaux réalistes.

El primero de la clase, Klein por muchos es considerado un adelantado a su época. Sus planteamientos corrían el peligro retratado en varias ocasiones; la incompresión. Sigamos con el planteamiento anterior, la personalidad de Klein es de color negro, negro intenso y compuesto por toda la gama cromática. Por esto es el más destacable de todos. 

¿Y por qué tiene tantos colores? 

Fotomontaje de Harry Shunk para el "salto al vacío" de Yves Klein.

Reproducido por el artista en "Domingo 27 de noviembre, diario de un solo día".

Klein propone saltar, sin hilo y sin sujeción. Y en ese estado de descendimiento componer, crear, escribir, pensar y vivir. El miedo al vacío ha hecho que rellenemos la vida con utensilios, prendas, piezas, elementos y accesorios que buscan darnos sustento. No queremos ser seres estáticos, sostenidos en la nada por el riesgo que ello supone, el miedo al dolor, a precipitarnos al vacío. Entrada destacada.

Gran parte de su infancia transcurre en Niza con sus abuelos que de manera constante viajaban, estudió piano, ingresó en la Escuela de la marina mercante, practicó judo obteniendo incluso una plaza en el Instituto franco-japonés en Tokio, de la mano de Claude Pascal llegó a interesarse por el esoterismo (miembro de la secta Rosacruz vinculada a los Illuminati), practicaba la meditación y el vegetarianismo.

Y todo esto se traduce en una pintura monocrama en rosa, dorado, verde, rojo y especialmente azul. Este último sería su color sin matices. "International Klein Blue" llevan por nombre una serie de paneles monocromos azules que Restany que escribió los textos de presentación compararía con la célebre Capilla Scrovegni de Padua. No he podido evitar pensar en un hipotético encuentro entre el maestro Giotto y estas obras...

PINCELES VIVIENTES.

Realización de una Atropometría en casa de Yves Klein, por Klein hacia 1960, París.
Podemos ver los músicos al fondo y a las modelos en plena ejecución de la obra, bajo la supervisión del artista.

Como ya sabemos este movimiento elimina o suprime todos los instrumentos clásicos de creación de Arte. Excluye pinceles. Por lo tanto nos quedan las modelos, el soporte y la pintura. Los pinceles vivientes son las propias modelos embadurnadas en color que imprimen los trazos en las telas. Y lo hacían a ritmo de Jazz. Klein suprime por completo el dialogo entre la mano, el pincel y la expresión. Torsión, movimiento y expresión nunca han estado más unidos. Pero va más allá, ahora comprenderéis el motivo. Una de las preocupaciones más grandes de los pintores, galerías y Museos es la conservación de la obra terminada. Klein en cambio incluye en el proceso de creación la exposición a los elementos atmosféricos. La lluvia, el viento y los estragos del tiempo concluyen la obra. Nos queda un elemento; el fuego. Ejecutadas sobre telas de amianto y equipado con un lanzallamas Klein intereactúa con este elemento consiguiendo efectos nunca vistos antes en la Historia del Arte.  

IL CARMINIO

AL OTRO LADO, EL MISTERIO.

Primera obra del nuevo año para un encargo, desde mi taller.

El misterio, según la R.A.E. es un asunto secreto o reservado. Adolece en nuestro tiempo, todo es exhibido. Sin embargo perdura, ese placer de la curiosidad, en el Arte. En la mayoría de los casos el espectador a través de la obra no llega inmediatamente a un perfil de la mano que la ejecutó. Abrimos la puerta a la imaginación, a la evasión y a la recreación. Colores, formas y pinceladas inundan nuestras retinas ¿qué quiere decir?, ¿Dónde fue pintado?, ¿dónde ha estado hasta llegar a este momento donde puedo verlo?. Durante esos minutos nuestra mente se expande, cuelga un cartel de "NO ESTAMOS".

Esto es lo maravilloso del Arte, su capacidad de abstracción. Al mismo tiempo su universalidad, se trata de un mensaje directo con formas diversas. ¿Quién hay al otro lado?

En la entrada anterior hablamos de Arte como necesidad, pero al mismo tiempo salvación. Y claros ejemplos encontramos en todos esos artistas que desafiaron las reglas que predominaban en su tiempo y sí, hablo del mismo Van Gogh. Tan solo vendió una obra en vida y dejó de existir sin disfrutar de su reconocimiento. Como Manet con su "Olympia" en una académica París. Paul Gauguin, abandonó su trabajo y cómoda vida para pintar y cruzar hasta América, sin demasiado éxito en vida. Se ha convertido en el ideal de artista rebelde, enfrentado a la sociedad burguesa y materialista. Más tarde cambiarían la Historia del Arte y la forma de expresión. Definitivamente el Arte para ellos debió ser algo superior e indispensable, ligado intrínsecamente a sus existencias.

Artistas y Sociedad; relación crítica.

La óptica reeducada del espectador es la clave del misterio. En pleno siglo XXI nos resulta curioso o anecdótico que estas obras supusieran una crispación en las sociedad de finales del siglo XIX y principios del XX. Y todo ello es debido a la Modernidad de la que disfrutamos y en la que crecemos. Reconocemos sus elementos indiciarios en el Arte que vemos. Imaginemos que estamos mirando unas escaleras, en cada escalón, siglo por siglo, el Arte que le corresponde. Llegaríamos al último peldaño reconociendo y captando el hilo conductor del Arte. El transito de uno a otro supone un nuevo esfuerzo motriz. 

Escándalo, el padre del Impresionismo.

Olympia, por Manet, 1863.
Óleo sobre lienzo; 1,30 - 1,90 m.
París, Museo de Orsay.

Numerosas publicaciones se hicieron eco del sobresalto social que provocó la obra. "Una epidemia de locas carcajadas se desata ante el cuadro de Manet" apuntaba el Moniteur des Arts. Por su parte La Presse lanzaba su dardo envenenado sobre "Olympia" así; "Cuando el Arte desciende tan bajo no merece ni siquiera un reproche". Incluso por temor a la ira popular el cuadro fue custodiado y exhibido en lo más alto de la Sala. ¿Elementos provocadores? 1. La blasfemia; la referencia a La Venus de Urbino de Ticiano fue interpretada como un ultraje al maestro de todos los tiempos. 2. Las flores que la criada muestra a la joven son un obsequio de un admirador en lugar del cofre de desposada de La Venus. 3. La dulce pasividad y la sumisión de Ticiano tornan en la irreverencia e impertinente seguridad de Manet. En otras palabras, nuestra dama es una prostituta de lujo que mira con firmeza y desdén a la pequeña y mediana burguesía que frecuentaba la Sala.

Los insultos del color.

La visión después del sermón por Gauguin, 1888.
Óleo sobre lienzo; 0,73 - 0,92 m.
Edimburgo, Museo Nacional de Escocia.

Ese mismo año Paul Gauguin escribía una carta a Vincent Van Gogh. En ella cuenta que en esta obra quiso captar la simplicidad rústica y supersticiosa de los campesinos. Los personajes son completamente costumbristas mientras que el paisaje de fondo es completamente impresionista. El sentido: el paisaje y la lucha solo existen en la imaginación de las gentes, que rezan al finalizar el sermón. ¿Qué vemos? Ruptura, desproporción, crítica, visión personal y sí la fase impresionista de Paul Gauguin. Estos dos grandes maestros trabajaron juntos en Arles, por ello con la culminación de este lienzo envía la misiva a Van Gogh.

Naturaleza muerta.

El sembrador por Van Gogh, 1888.
Óleo sobre lienzo; 0,73 - 0,92 m.
Suiza, Colección particular.

Domina por completo el amarillo con pinceladas vibrantes, llenas de sol, en movimiento. En esa enorme extensión  aparece un segador. Vincent ha tratado varias veces esta temática; el trabajo y siente una profunda admiración por las obras de Millet. No obstante este personaje trae consigo el simbolismo "... es una imagen de la muerte, tal como nos habla en el gran libro de la naturaleza".  Al pasar, la figura deja un rastro oscuro e inerte; la naturaleza muerta. Otros ejemplos similares son "Los Girasoles" del mismo año y que se encuentra en la Galería Nacional de Londres. Al igual que "Lirios" fechado en 1890 y ubicado en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

IL CARMINIO

¡Feliz nuevo año a todos!